История танцев: Древний мир, Греция, Рим. Интереснейшая история танца История возникновения и развитие танца

Люди жили племенами, и следовательно, все важнейшие особенности их жизни образа занятий, воплощались в их ритуальных плясках. В ритуальных плясках фигурируют две основных темы:

Охоты или войны

Тема любви

Не рассматривая глубже все особенности ритуальных плясок, отметим их массовость и, как следствие, необходимость кругового движения. Отсюда и пошла форма хоровода, как элементарная способность участвовать в процессе танца также и при помощи пения.

Чуть позже, в более развитых формах плясок уже прослеживается деление танцев на:

пляски-игры (военно-охотничего характера) Примеры воинских плясок: украинский "Гопак", грузинский "Хоруми"

культовые пляски, где человек пытался добиться у богов более благоприятных условий для жизни. Примеры: "шаманские" танцы африканских племен или народов Севера России

бытовые пляски, наиболее распространенные и наименее зависящие от 2-х важнейших факторов выживания - пропитания и понимания окружающего мира. Примеров бытовых плясок – неисчислимое множество: практически на каждый трудовой процесс существовали свой танец, изменявшийся от селения к селению: русский танец "Ленок", украинский "А мы просо сеяли", "Лесорубы", "Косари" и т.д.

Именно в бытовой пляске проявилась возможность индивидуального проявления и привнесения собственной хореографии, которая зачастую одобрительно принималась окружающими.

Отдельное место занимает любовная линия танца – отсюда разнообразие в выборе партнера или сольное исполнение. Наиболее сохранившиеся, а значит, популярные танцы – это танцы с сюжетами. Например, "Тимоня" – танец о любовных взаимоотношениях одного мужчины и нескольких девушек – одна и популярных тем русского народа.

Этап 2: греко-римский период

Следующий этап усложнения танцевальных форм это греко-римский исторический период. Танец уже преподают в учебных заведения того времени. Древние греки закладывали в танец принцип Гармонии. Это связано было с тем, что в культуре того времени уже имелись значительные жизненные идеалы, и человек в них представлялся как значимый предмет для совершенствования души и тела. Древняя мифология (обилие сюжетов с богами) как раз и была идейным двигателем совершенствования природы человека, а танец был одним из инструментов "обработки" человеческих тела и души.

Танцы этого периода делились на несколько категорий:

Священные танцы (исполнявшиеся только в храмах)

Общественные (воинские пляски, массовые гуляния с участием граций, сатиров, нимф)

Это костюмированные и очень грамотно выстроенные драматургически важнейшие детали жизни греков

Именно эти танцевальные праздники, переносимые в мифологических сюжетах на театральные сцены Эллады - явились первоисточниками современных балетных и иных спектаклей и шоу.

Конечно же, в этот период существовали танцы и попроще: домашние, городские, сельские.

Этап 3: "мрачное средневековье"

Следующая эпоха, именуемая "мрачным средневековьем" – старалась искоренить и изгнать танец из жизни человека. Танцу присвоили культ "дьявольского наваждения", а тело (в особенности женское), стало символом любых форм осквернения. Вглядываясь в эту тяжелую (для танца) эпоху, понимаешь, почему в католической Европе народные формы танца столь примитивны и сейчас.

Видимо, до сих пор, в гонке за благопристойностью в танце нет такой сильной потребности, как например, сложилась у славянских народов. Именно разнообразные средневековые бранли с их подскоками и просто шагами, явились той отдушиной которая допускалась в те мрачные годы.

Однако и здесь веселый человеческий нрав и особенно любовь, шевелила народ в их массовых городских праздниках.

с.Староюрьево

ВВЕДЕНИЕ

Актуальность исследования

Танец - один из прекрасных видов искусства. Это выражение эмоций, чувств, мыслей, рассказ о происходящем, бывшем и будущем с помощью музыки, пластики, жестов, ритмичных движений. Каждому периоду времени свойственна своя музыкальная культура, которая порождает новые виды танца. Каждый танец можно назвать современным, но для своего времени.

В наш век урбанизации и новейших технологий изменился ритм жизни человека. Мы несемся по ней со скоростью экспресса, стремясь везде успеть. Вместе с человечеством меняется и стиль танцевального искусства – на смену плавным и неторопливым мелодиям вальсов приходят синкопы джаза. Не умаляя значения классического и народного танца, современные подростки выбирают рваные ритмы уличных танцев, так как именно эта музыка близка их бунтарскому духу молодости, именно она раскрепощает и освобождает мысли и чувства, рождая свободный, универсальный танец, не имеющий стандартов. Пусть эта музыка странна и непонятна для старшего поколения, но современный танец, представляющий зачастую смешение различных техник, стилей и направлений, завоевывает все большие симпатии у людей 21 века.

Подростковое время - время «проб и ошибок», время для поиска «себя», время для самореализации, экспериментов с внешностью и отношениями. Через искусство современного танца ребенок выражает свои и чувства и эмоции, о которых сложно сказать вслух. Для молодого поколения современная хореография становится олицетворением стремительного движения времени.

Новизна исследования

Всего десятилетие назад искусство современного танца в Тамбовской области было практически неизвестно. Однако сейчас оно заинтересовало не только исполнительские коллективы, но и широкие массы населения. Новизна работы заключается в том, чтобы проследить этапы создания театра современного танца на Тамбовщине, установить значение проникновения новых стилей в танцевальную культуру.

Цель работы: изучение развития искусства современного танца в Тамбовской области.

Задачи работы:

Сформировать представление об исторических корнях танцевального искусства;

Изучить историю возникновения в хореографическом искусстве направления «модерн»;

Познакомиться с танцевальными коллективами - основоположниками современного танца в Тамбовской области;

Выявить влияние современного танцевального искусства на физическое, эмоциональное и культурное развитие учащихся.

Гипотеза: появление танцевальных коллективов и студий современного танца на Тамбовщине расширило рамки хореографической культуры молодежи.

Место проведения исследования: г.Тамбов, Староюрьевский район.

ОСНОВНАЯ ЧАСТЬ

Методы исследования

В ходе создания исследовательской работы использовались следующие методы:

Работа с информационными источниками (научно-популярная, справочная литература, воспоминания, личные архивы, ресурсы сети Интернет и др.);

Анкетирование, опрос;

Анализ и обработка полученных результатов.

История возникновения танца как искусства

Истоки танцевального искусства заложены в глубокой древности. Свидетельство тому – наскальные рисунки с изображением танцующих фигур, созданные предположительно в период неолит (8 – 5 тыс. лет до н.э.).

Первые танцы древности были далеки от того, что в наши дни называют этим словом. Они имели совсем иное значение. Разнообразными движениями и жестами человек передавал свои впечатления от окружающего мира, вкладывая в них свое настроение, свое душевное состояние. Возгласы, пение, пантомимная игра были взаимосвязаны с танцем. Сам же танец всегда, во всем времена был тесно связан с жизнью и бытом людей. Поэтому каждый танец отвечает характеру, духу народа, у которого он зародился. С изменением социального строя, условий жизни менялся характер и тематика искусства, изменялся и танец. Своими корнями он глубоко уходил в народное творчество.

Для человека первобытного общества танец был способом мышления и жизни. В танцах, изображающих животных, отрабатываются охотничьи приемы; танцем выражаются моления о плодородии, о дожде и о других насущных нуждах племени. Любовь, труд и обряд воплощаются в танцевальных движениях. Глубоко воспринимая ритмы природы, люди первобытного общества не могли не подражать им в своих танцах.

Чувство театральности было очень сильно у людей Древнего Египта. Даже их храмовые танцовщики исполняли акробатические трюки, и на рельефах можно видеть женщину, делающую шпагат, или женщину, которую подбрасывают в воздух и затем подхватывают два партнера, а также мужчину, стоящего на одной ноге и собирающегося сделать пируэт.

Танцы древних греков можно разделить на священные (обрядовые, ритуальные), военные, сценические, общественно-бытовые. Примерно такие же по характеру танцы были и у других народов.

Священные пляски по преданию были перенесены в Грецию из Египта Орфеем. Он увидел их во время храмовых празднеств египтян. Но движения, жесты он подчинил своему ритму, и они стали больше соответствовать характеру и духу греков. Эти пляски исполнялись под звуки лиры, отличались строгой красотой. Праздники, а значит и танцы, часто посвящались разным богам: Дионису, богине Афродите, Афине. Они отражали определённые дни трудового календарного года.

Сценические танцы древних греков были частью театральных представлений, причем каждому жанру соответствовали свои танцы. Во время танцев исполнители отбивали такт ногами, для этого они надевали особые деревянные или железные сандалии, иногда отбивали такт руками с помощью надетых на средние пальцы своеобразных кастаньет - устричных раковин.

Общественно-бытовые танцы сопровождали семейные и личные торжества, городские и общегосударственные праздники. Различались танцы домашние, городские, сельские. Они были разнообразны по тематике и композиционному рисунку, по составу исполнителей. Именно общественно-бытовые танцы оказывали большое влияние на возникновение сценического танца.

Суровые римские воины первых веков нашей эры особенно любили воинственные танец в память похищения сабинянок. Его, по преданию, ввел Ромул. Были и танцы жрецов, прославляющие богов, они напоминали скорее торжественное шествие.

Во время упадка Римской империи танцы и пантомимы превратились в безнравственные зрелища, и почтенные граждане Рима относились к ним с презрением. О танцах римлян в своих трактатах писали Цицерон и Гораций.

От Средневековья дошло множество историй о маниакальной одержимости танцем. Во время христианских праздников народ внезапно начинал петь и танцевать у храмов, мешая проходившей в них церковной службе. Эти безумные танцы наблюдались во всех странах. В Германии они получили название «пляска св. Витта», а в Италии – «тарантелла».

Средневековый танец оставался еще во многом импровизированным действом. Народ любил хороводы, но устойчивых правил танца не существовало. Танец был принятой формой ухаживания; их исполнители сопровождали танец пением; движения были самыми простыми. В эпоху позднего Средневековья проявляется различие между придворным парным танцем и деревенским групповым танцем. Народный танец по-прежнему был импровизацией, в то время как придворный танец становился все более манерным. Главной формой дворцового искусства был фигурный танец, где группа танцующих последовательно образовывала танцевальные построения.

В эпоху Возрождения большое значение приобретает бытовой танец. Без него не обходятся не только балы, вечера, но и пышные уличные празднества, достигавшие порой необычайной яркости и великолепия. В дворцовых залах итальянских вельмож устраиваются театральные интермедии с песнями и танцами. Танцы составляют основу этих роскошных зрелищ.

Маскарады и карнавальные шествия, излюбленные развлечения в Средние века, особенно распространились в эпоху Возрождения (15-16 века). Танцы немножко изменились - они усложнились, стали сильнее быстрыми и подвижными, сегодня исполнялись прыжки и даже легкие поддержки - рано или поздно дама с помощью кавалера поднималась в воздух. Появилось много новых танцев, всякий имел определенные движения (па). Причем знать их - и танцы, и движения - необходимо было действительно тем же образом, как и правила этикета.

В 17 веке возникло понятие народного танца. Народный танец- танец, который исполняется в своей естественной среде и имеет определенные традиционные для данной местности движения, ритмы, костюмы. Мазурка с ее характерной трехдольностью воплощает польский характер, в то время как полька с ее отрывистым ритмом - дух чешского народа. Чардаш, состоящий из двух частей - медленного кругового танца мужчин и огненного парного танца - соответствует общему представлению о венгерском характере, с его безотчетной тоской и бурными страстями.

Фольклорные мотивы часто играют большую роль в балете. С 1940-х годов стало распространяться увлечение подлинным, этнографически достоверным танцевальным фольклором. Существует немало профессиональных танцевальных трупп, которые достигли международной известности, демонстрируя сценические формы народных танцев, например российский Ансамбль народного танца Игоря Моисеева, Ансамбль украинского танца, ансамбль «Березка» и др.

Балет - высшая ступень хореографии, в котором танцевальное искусство поднимается до уровня музыкально-сценического представления, возник как придворно-аристократическое искусство гораздо позже танца. Термин «балет» появился в ренессансной Италии в XVI веке и обозначал не спектакль, а танцевальный эпизод. Балет - синтетическое искусство, в котором танец - главное выразительное средство балета, тесно связан с музыкой, с драматургической основой - либретто, со сценографией, с работой костюмера, художника-осветителя и т.д.

«Модерн» - современный танец

Направление современные танцы - целиком детище XX века. В дословном переводе модерн-танец - современный танец. В отличие от джазового или классического танца, направление современные танцы создавалось на основе творчества того или иного конкретного лица.

В современных танцах существенным является попытка исполнителя выстроить связь между формой танца и своим внутренним состоянии. Большинство стилей современных танцев сформировалось под влиянием какой-либо четко изложенной философии или определенного видения мира.

Основоположниками модерна считаются Айседора Дункан, Марта Грэхем, Мерс Каннингхэм. Все они крайне негативно относились к балету. Исидора Дункан считала его безобразной бессмысленной гимнастикой. Марта Грэхем видела в нем европейщину и империализм, у которых с американцами нет ничего общего. Мерс Каннингхэм, несмотря на то, что использовал в преподавании некоторые основы балетной техники, подходил к хореографии и выступлению с позиций прямо противоположных традиционному балету.

К восьмидесятым годам 20 века классический танец вернулся в исходную точку, а современный танец (к этому времени уже contemporary dance) стал высокотехничным оружием профессионалов. Сегодня танцевальное искусство проникнуто творческой конкуренцией, и хореографы зачастую стремятся к тому, чтобы именно их работу назвали самой шокирующей. Однако до сих пор в искусстве есть красота, и танец современности потрясает такими профессионализмом, силой и гибкостью, которых никогда не было доныне.

Художественная особенность джазового танца - совершенная свобода движений всего тела танцора и отдельных частей тела, как по горизонтали, так и по вертикали сценического пространства. Джазовый танец - это, прежде всего, воплощение эмоций танцора, это танец ощущений.

Джаз-танец развился из танцев африканских племён. Джазовый танец был привезен в Америку рабами из Африки в XVII - XVIII вв. Попав в Америку, они быстро восстановили свои праздники и обычаи и приспособились: вместо барабанов использовали хлопки в ладоши и выбивание ритма ногами. В течение нескольких веков шло слияние двух культур, африканской и американской, и в результате возник уникальный зажигательный танец.

В XIXв. получили развитие уличные представления, включавшие в себя песни и танцы под джазовую музыку. Сначала такие представления давались только чёрными танцорами для чёрных зрителей. В 20-е гг. 20-го века джазовая музыка и танец приобрели огромную популярность, как среди чёрных, так и среди белых и распространились в Европе. На сцене стали выступать профессиональные танцоры, которые привнесли в джазовый стиль новые приёмы и стали обучать джазу других. Одновременно джаз обогащался элементами европейских танцев.

В 40- 50-е гг. популярная музыка претерпела значительные изменения, а вместе с ней видоизменились и танцы. В этот период возникли стили современного джаза. Сегодня существует множество стилей джаза, которые танцуют под различную музыку. Но все эти стили объединяют энергичные и ритмичные движения. Ритм и координация движений - наиболее важные аспекты танца джаз. В нём часто используются движения бёдер и таза, они придают танцу особую выразительность. Изолированные движения - это главная особенность джаз танца. При изолированном движении подвижна только одна часть тела, в то время как всё тело остаётся неподвижным или же двигается в противоположном направлении. Как и вращение бёдрами, изолированные движения подчёркивают ритм музыки. Создаётся впечатление, будто музыка проходит сквозь тело танцора.

К концу 60-х годов джаз танец прочно занял свое место в ряду направлений современной хореографии и тогда же начался процесс слияния основных школ современной хореографии. Первым педагогом и хореографом, объединившим в своем творчестве технику танца модерн и джазового танца, был Джек Коул. Луиджи (Юджин Луис) синтезировал технику классического танца и джаза. Гас Джордано в 1966 г. выпустил первый учебник, посвященный техники модерн-джаз танца. Постепенно возрастает интерес к модерн-джаз танцу и в Западной Европе, американские педагоги проводят первые семинары.

Таким образом, к началу 70-х годов возникло новое явление – модерн-джаз танец. Эта школа завоевала многие страны мира, она позволяет наиболее комплексно воспитать тело танцора. Джаз танец постоянно меняется, отчасти благодаря тому. Что танцоры могут привносить свои собственные движения в танец, а также из-за того, что джаз танцуют под самую разную музыку.

В настоящее время можно выделить несколько видов джаз-модерна.

-Классический джаз или традиционный. Это ранние формы джаз-танца, исполнявшиеся африканцами.

-Афроджаз - это попытка соединить джаз сегодняшний с его африканским предком. Различие заключается в том, что африканский танец несет в себе большую функциональную нагрузку и не столь виртуозен, как его нынешняя интерпретация.

-Бродвей-джаз - возник в 20-е годы, название получил по имени улицы в Нью-Йорке, на которой расположено множество театров и мюзик-холлов. Именно здесь начал развиваться мюзикл и возник свой стиль джаза и техника движений (одновременное исполнение вокальной и танцевальной партии). Для виртуозного исполнения танцев в бродвейских постановках использовались танцовщики с классической школой. Джаз приобретает черты классической формы, что становиться одним из путей его дальнейшего развития. Известные балетмейстеры Дж.Баланчин, Х.Хольм. Бродвей - это очень энергичный и эмоциональный стиль джаза.

-Степ или чечётка. Чечётка зародилась в Америке в XIX веке, корни её лежат в ирландской джиге и английской сельской чечётке - танцах первых поселенцев. Постепенно европейские танцы смешались с африканскими, завезёнными в США рабами. Основной чертой чечётки, которую называют джазовой, являются свободные движения, что делает танец очень изящным и плавным. Европейский стиль чечётки больше похож на ирландский или английский танец, который танцуют в деревянных башмаках (сельская чечётка). Движения данного стиля более пружинистые, а тело танцоров остаётся неподвижным.

-«Соул» (лирический джаз). Это название известно среди вокалистов и в танцевальной его части отличатся большим количеством различных движений на единицу темпа, выполняемых очень мягко без видимого напряжения. Движение при всей сложности выполняются с максимальным растягиванием их во времени.

-Флэш (Flash) - в переводе с английского – вспышка. Это самое виртуозное и яркое направление в джаз-танце. Все его движения быстрые и динамичные. Глядя на исполнителей этого стиля, поражаешься их силовой выносливости и упругости, мгновенности переходов танцевальных па, сложности танцевальных трюков. Кажется, все тело подчинено одной задаче – оттанцевать каждую ноту и выбросить на зрителя максимум энергии. Популярным этот стиль стал в конце 80-х - начале 90-х гг. и является наследником диско, но с примесью элементов брейк - и хип-хоп культуры.

-«Стритджаз» относится к уличным танцам. Начало свое этот стиль берет из танцев джаз-модерна, к которым «приложили руку» уличные танцоры. Уличный джаз претерпел меньше всего изменений. Все современные молодежные направления: брейк, рэп, хаус и бывшие ранее твист, чарльстон, шейк, буги-вуги и многие другие танцы-однодневки - это отпрыски джаза и его соединений с историко-бытовым танцем.

Министерство культуры РФ

Министерство культуры Свердловской области

ГОУ СПО Свердловской области

Асбестовский колледж искусств

Хореографическая постановка «Связанные»

Выпускная квалификационная работа

Исполнитель:

Хазова Дарья Алексеевна,

студентка IV курса

хореографического отделения

________ ____________

дата подпись

Квалификационная работа Научный руководитель:

Допущена к защите Лященко Н.А., преподаватель

Зав. отделением хореографического отделения хореографического

творчества творчества

________ ________________ ______ ________________

дата Н.А. Лященко дата подпись

Асбест 2015

Глава 1. Обоснование выбора хореографической постановки………..……….3

1.1. История создания танца, стиля……………………………….…..3

1.2. Источники и мотивировка выбора темы постановки………….13

Глава 2. Музыкально-хореографический сценарий……………….....………..16

2.1. Идейно-тематический анализ…………………………………...…..16

2.2. Творческий замысел постановки……………………………...…...17

Глава 3. Практическая значимость……………………………………………...24

Информационные источники………………………………………………26

Приложения…………………………………………………………………27

Глава 1. Обоснование выбора хореографической постановки

«Связанные»

История создания современного танца

Современный танец - это самостоятельная форма искусства, где по-новому соединились движения, музыка, свет и краски, где тело действительно обрело свой полнокровный язык. Современный танец убеждает людей в том, что искусство есть продолжение жизни и постижения себя.

Современный танец - понятие относительное, сиюминутное. Каждому периоду времени свойственна своя музыкальная культура, которая порождает новые виды танца. Каждый танец можно назвать современным, но для своего времени. Таким образом, современный танец - это танец современный, модный и актуальный для своего времени. Целью современного танца является выражение чувств и настроений человека. Это довольно свободный, универсальный танцевальный стиль, который не имеет четких стандартов. Хореографы, стремясь передать мысли и чувства людей, находятся в постоянном поиске, и изобретают новые движения, нередко, смешивая различные техники, стили и направления.

Современный танец уходит своими корнями в классический балет. С одной стороны, современный танец был создан как реакция против формальных, твердых ограничений классического балета, (к примеру – акцент в данном стиле падает на свободные, выразительные движения, чего нет в классическом балете в котором всё подчинено определённым правилам), с другой стороны, современный танец вобрал в себя многие движения и шаги из классического балета которые вошли в репертуар современного танца.

Причиной зарождения современного направления хореографии стал кризис классической балетной школы в начале XX века. Танцорам того времени требовались новые техники, позволяющие выражать новые идеи о человеческой свободе, далекие от традиций классического танца.

Концепция современного танца заключается в свободе и выразительности движений, которые дают потрясающую возможность выражать свои чувства в самых ярких красках.

На протяжении XX века появилось множество различных направлений, в современный танец входят такие направления как: современный танец, контактная импровизация, джаз модерн, contemporary dance, свободная пластика, локинг, поп-локинг, брейк-данс, хип-хоп, джаз, фанк и многие другие.

Идеи танца модерн ещё в 1830 году предвосхитил известный французский педагог и теоретик сценического движения Франсуа Дельсарт, изучавший связь голоса, жеста и эмоции. Он утверждал, что только жест, освобождённый от условности и стилизации, способен правдиво передавать все нюансы человеческих переживаний.

Предыстория современного танца начинается в начале 20-го века, тремя музами раннего современного танца в Америке были Айседора Дункан, Рут Сен-Дени и Лой Фуллер. Они создали свои школы модерн-балета - искусства, свободного от условностей. Импровизация и свободная хореография – это основной принцип современного танцевального искусства. Они по-разному объединили философию, драму, водевиль и древнюю историю в свои танцы, что и послужило отправной точкой для создания основ современного танца. 20-й век принес много новых танцевальных видов и стилей, самые известные из которых буги-вуги, джазовые танцы, блюз, чарльстон, рок-н-ролл, макарена, степ, ламбада, латиноамериканские танцы. В конце 20-го века распространение получили танцы в стиле диско, хип-хоп, брейк-данс, хастл, крамп, тектоник, ритм-энд-блюз и другие.

Айседора Дункан и несколько ее единомышленников решились бросить вызов традиционной хореографии. Они открыли свои школы, в которых преподавали основы модерн-балета. Основной идеей данного танцевального направления была свободная хореография, основанная на импровизации и выражении собственных эмоций. Общепризнанной основательницей танца модерн считают Айседору Дункан. Свою деятельность она начала в конце 19 века. Айседора Дункан - новатор и реформатор хореографии, давшая в своих танцах, освобожденных от формалистических классических балетных форм, пластическое воплощение музыкального содержания. Она противопоставила классической школе балета свободный пластический танец. Использовала древнегреческую пластику, танцевала в хитоне и без обуви. Одной из первых использовала для танца симфоническую музыку, в том числе Шопена, Глюка, Шуберта, Бетховена, Вагнера. Айседора мечтала о создании нового человека, для которого танец будет более чем естественным делом. Своим танцем восстанавливала гармонию души и тела. Она открыла людям танец в чистом виде, «самоценном исключительно в самом себе», построенном по законам чистого искусства. В гармоническом искусстве танца Айседоры Дункан стремление к гармонии и красоте выражено в идеальной форме. Отталкиваясь от музыки, она пришла в движении к гармоническому канону, и именно поэтому стала главной и единственной основоположницей всего танцевального модерна. Дункан добилась идеального соответствия эмоциональной выраженности музыкальных и танцевальных образов. Движение рождалось из музыки, а не предшествовало ей. Языком танца Дункан был язык естественных, выразительных, свободных движений. Необычайно выразительная и музыкальная, Айседора использовала в своих танцах-импровизациях свободные, раскрепощенные движения тела. Главным богом Дункан была естественность. Во имя ее она отрицала технику, изнурительный тренаж. Художественная практика Дункан поражала современников удивительным слиянием мира душевных переживаний, пластики и музыки.

Вторым поколением в области танца модерн являются такие хореографы как: Марта Грэхем, Дорис Хамфри, Чарлз Вейдман, Хелен Тамирис, Ханья Хольм. Их заслуга состоит, прежде всего, в том, что каждый из них был не только блестящим хореографом и исполнителем, но и педагогом, создавшим свою систему подготовки танцовщиков. Первым педагогом, хореографом и исполнительницей, последовательно создающей систему танца, была М. Грэхем. Успех ее группе приносят уже первые постановки в Нью-Йорке в 1926 году «Еретик» и «Первобытные мистерии». Грэхем создавала спектакли, основанные на легендарно-эпической теме, на сюжетах античной и библейской мифологии. Прежде всего она стремилась создать драматически насыщенный язык танца, способный передать весь комплекс человеческих переживаний. Вторым по значимости в ряду хореографов и педагогов была Дорис Хамфри. Уделяя большое внимание пластической отточенности и техничности танца, Дорис Хамфри в то же время выступала против красоты и утонченного танца Сен-Дени. На ее творчество оказал влияние фольклор американских индейцев и негров, а также искусство Востока. Она первой в США стала преподавать композицию танца и обобщила свой опыт в книге «Искусство танца».

В 50-е годы начинает творить третье поколение. После второй мировой войны перед молодыми исполнителями и хореографами довольно остро стал вопрос: продолжать традиции старшего поколения или искать свои пути развития танцевального искусства. Часть хореографов полностью отказалась от опыта предыдущих поколений и с головой окунулась в эксперимент. Многие из них отрицали привычное сценическое пространство и переносили свои спектакли на улицы, в парки и т. д., отрицали форму спектакля, вовлекая зрителя в театральное действо. Изменилось отношение к костюмам, музыке и другим компонентам театрального действия. Многие хореографы полностью отказались от музыкального сопровождения и использовали только ударные инструменты или шумы. Композиторы зачастую становились сотворцами балетмейстера, создавая музыку одновременно с движением. Одним из тех, кто продолжил традиции предыдущего поколения, был Хосе Лимон. Его хореография – это сложный синтез американского танца модерн и испано-мексиканских традиций с резкими контрастами лирических и драматических начал. Герои изображаются в моменты наивысшего напряжения, крайнего душевного подъема, когда подсознание руководит их поступками. Наибольшую популярность приобрели его спектакли «Павана мавра», «Танцы для Айседоры», «Месса военных времен». Духовным «отцом» хореографического авангарда, несомненно, был Мерс Каннингем. Он был одним из тех, кто пошел своей дорогой и основал собственную школу танца. Его спектакли поражали неожиданным подходом к движению. Каннингем рассматривал спектакль как союз независимо созданных, самостоятельных элементов. М. Каннингем считал, что любое движение может быть танцевальным, а композиция танца строится по законам случайности. Основная задача балетмейстера - создание сиюминутной хореографии, где каждый исполнитель имеет свой ритм и свое движение. Так же, как М. Грэхем и Д. Хамфри, М. Каннингем создал свою технику и школу танца. Таким образом, к началу 70-х годов ХХ века сложилось несколько основных школ танца – модерн: техника М. Грэхем, Д. Хамфри и Х. Лимона, техника М. Каннингема. Одновременно развивалась и совершенствовалась система джазового танца.

Джаз-танец развился из танцев африканских племён. Джазовый танец был привезен в Америку рабами из Африки в 17 - 18 вв. Попав в Америку, они быстро восстановили свои праздники и обычаи и приспособились: вместо барабанов использовали хлопки в ладоши и выбивание ритма ногами. В течение нескольких веков шло слияние двух культур, африканской и американской, и в результате возник уникальный зажигательный танец. В 20-е гг. ХХ века джазовая музыка и танец приобрели огромную популярность. На сцене стали выступать профессиональные танцоры, которые привнесли в джазовый стиль новые приёмы и стали обучать джазу других. Одновременно джаз обогащался элементами европейских танцев.

В 40- 50-е гг. популярная музыка претерпела значительные изменения, а вместе с ней видоизменились и танцы. В этот период возникли стили современного джаза. Сегодня существует множество стилей джаза, которые танцуют под различную музыку. Но все эти стили объединяют энергичные и ритмичные движения. Ритм и координация движений - наиболее важные аспекты танца джаз. Характерной чертой джаза является синкопирование - акцентируются не только сильные доли такта, но и слабая доля такта. В танце джаз часто используются движения бёдер и таза, они придают танцу особую выразительность. Изолированные движения - это главная особенность джаз танца. Естественно, что педагоги и хореографы все более синтезировали на своих уроках и в постановках различные техники и стили танца. Первым педагогом и хореографом, объединившим в своем творчестве технику танца модерн и джазового танца, был Луиджи (Юджин Луис) синтезировал технику классического танца и джаза. Гас Джордано в 1966 г. выпустил первый учебник, посвященный техники джаз-модерна. Постепенно возрастает интерес к модерн-джаз танцу, американские педагоги проводят первые семинары. Таким образом, к началу 70-х годов возникло новое направление - джаз-модерн. Джазовый танец пройдя путь от бытового, фольклорного танца через сценический, театральный, постепенно становиться особым видом танцевального искусства, и захватывает всю Европу.Эта школа завоевала многие страны мира, она позволяет наиболее комплексно воспитать тело танцора. Джаз танец постоянно меняется, отчасти благодаря тому. Что танцоры могут привносить свои собственные движения в танец, а также из-за того, что джаз танцуют под самую разную музыку. В настоящее время можно выделить виды джаза: классический джаз или традиционный. Это ранние формы джаз-танца, исполнявшиеся африканцами.

Афроджаз - это попытка соединить джаз сегодняшний с его африканским предком. Своё название он получил по имени улицы в Нью-Йорке, на которой расположено множество театров.

К концу 60-х годов джаз танец прочно занял свое место в ряду направлений современной хореографии и тогда же начался процесс слияния основных школ современной хореографии. Первым педагогом и хореографом, объединившим в своем творчестве технику танца модерн и джазового танца, был Джек Коул Луиджи(Юджин Луис) синтезировал технику классического танца и джаза. Гас Джордано в 1966 г. выпустил первый учебник посвященный техники модерн-джаз танца. Постепенно возрастает интерес к модерн-джаз танцу и в Западной Европе, американские педагоги проводят первые семинары.

В 70-ые годы 19 века в Америке становятся популярными стили уличных танцев таких как: локинг, брейк-данс, хип-хоп, в 90-ые годы такие стили как: фанк, крамп. В самом начале эти танцы имели стихийный характер: молодёжь, собираясь вместе, устраивала свои соревнования по танцам, называя их баттлами. Затем к батлам стали готовиться заранее, приглашая зрителей и группы поддержки. В наше время подобные соревнования проводятся уже на международном уровне в самых разных местах нашей планеты.

Локинг - технически локинг очень близок к своему прародителю хип-хопу, поэтому много элементов было позаимствовано оттуда резкие и интенсивные движения, разнообразные кидания и покачивания рук, прыжки разных видов и уровней. Локинг представляет собой синтез движения и неподвижности.

Хип – хоп - культурное направление, зародившееся в среде рабочего класса Нью-Йорка в конце 1970-х. Это танцевальный стиль на основе которого построена вся современная лексика клубных танцев. Жизнерадостный и энергичный, не агрессивный танец, в основе техники которого, - «кач» тела, прыжки, сочетание мелких движений руками и ногами. Музыка выделяется ломаным, динамическим ритмом средней скорости с короткими вставками инструментов.

Брейк-данс - первая часть представляет так называемый верхний брейк , который имеет практические бесконечные возможности, ограниченные разве что только фантазией исполнителя или команды исполнителей. В ней вы можете полностью и широко раскрыть себя, импровизируя как на ходу, так и перед выступление, создавая и придумывая новые элементы и движения. Движения этого направление требуют от танцора некоторой подготовки и отличаются специфичностью исполнения и имитируют несвойственные типы движений для человека в повседневной жизни: механические с фиксацией в определенных точках, либо шарнирные, схожие с движениями заводных игрушек, также имитация роботовидных движений или движений резиновых конечностей. Вторая большая часть, именуемая брейкинг , иногда называемый нижним брейк-дансом, представляется нам, как указывалось выше активностью, энергичностью и требует приличной физической подготовки от исполнителя. Нижний брейк очень эффектно смотрится и наполнен акробатическими элементами.

Крамп - это развитие «Clowning», или стиля «Танца Клоуна». Его отличительной особенностью является мощь и сила исполнителя, направленная на освобождении танцора от негативной энергии, путем выплескивания своих эмоций со сцены. Танец Клоуна был создан в начале 90-х годов Томасом Джонсоном, или Томми Клоуном. В 1992 году Джонсон начал соединять различные местные элементы танца и создавать уникальный, универсальный стиль, который также помог ему в продолжении его собственной карьеры клоуна для детей. Танцоры крампа больше взаимодействуют друг с другом и работают с весом партнера. Такие исполнители как Missy Elliott, Chemical Brothers, Black Eyed Peas, используя в своих клипах крампинг, сделали танец известным по всему миру.

В 1972 году появляется контактная импровизация. Контактная импровизация – это танец, в котором импровизация строится вокруг точки контакта с партнером. Контактная импровизация является одной из форм свободного танца. Создателем школы «Контактной Импровизации» по праву считается американец Стив Пэкстон. Будучи хореографом и танцовщиком, он изучал танец модерн и классический танец, занимался гимнастикой и айкидо, а также много времени проводил над исследованием танцевальной импровизации. При контактной импровизации движение следует за смещением точки контакта между телами партнеров. Преобладает движение при соприкосновении двух тел, поиск взаимных пространственных траекторий при взаимодействии с весом тела. Танец направляется ощущениями партнеров, их намерением сохранить или не сохранять физический контакт и продолжать поиск взаимной опоры.

Хастл - парный танец, основанный на импровизации и «ведении».

В переводе с английского hustle «сутолока, толкотня». Является собирательным названием для танцев под музыку в стиле диско популярной в 1980-х, таких как диско-Фокс, диско-свинг и собственно хастл.
Является «социальным» танцем - то есть в основе своей крайне прост, танцуется на четыре счета (диско-фокс на три) практически под любую музыку, не требует долгого обучения и позволяет после небольшой практики танцевать любому желающему.

Чем богаче и разнообразнее становилась музыка с появлением новых электромузыкальных инструментов, тем больше возникало различных музыкальных направлений, а вместе с ними и различных стилей танца. В конце 80-х начале 90-х годов с появлением видео обретают популярность определённые стили. Творчество Майкла Джексона, который назван тогда королём поп-музыки и королём танца, дало начало новому виду исполнения - «а ля Джексон». Его самые известные клипы из альбомов «Триллер», «Бэд», использовал движения диско, брейка, хип-хопа.

В 20 веке появляется термин «эстрадный танец» - это порождение светского искусствознания, отображает, прежде всего, место, где вступает исполнитель. То есть не сцена театра, а площадка варьете или концертного зала. В понятие " эстрадный танец" входят и стилиза­ции народных танцев, спортивные танцы, деми-классика, танцы в стилях бытовой хореографии, степ, в настоящее время на эстраде мы видим достаточно много по­становок, решенных средствами джазового танца или танца модерн. Таким обра­зом, понятие " эстрадный танец" объединяет достаточно много направлений хорео­графического искусства. Однако в настоящее время во многих университетах и ин­ститутах культуры и искусства открыты отделения именно "эстрадного" танца. К сожалению, ничего с этой терминологической путаницей сделать нельзя.

Можно с полной уверенностью сказать, что 20-й век был для хореографии настоящим творческим прорывом и некой революцией в культуре танца.

Подводя итог, можно сказать, что современный танец – это понятие относительное, сиюминутное и каждому периоду времени свойственна своя музыкальная культура, которая порождает новые виды танца. Однако у современных танцевальных направлений достаточно разнообразных элементов, что делает их более демократичным и доступным для людей с определенными ограничениями в пластике и гибкости.

Хореографическая постановка «Верёвка» поставлена на основе направления современного танца – свободная пластика.

Свободная пластика - возникшее в начале ХХ века движение за освобождение от рамок классического танца и слияние танца с жизнью. В данном стиле были сформулированы принципы, на которых основывались танец модерн и джаз-модерн, контемпорари, и даже будто и контактная импровизация. Основоположницей свободной пластики стала Айсидора Дункан.

Одним из идейных источников свободного танца стало движение за физическое совершенствование, раскрепощение тела, отрицание рамок и границ, смешение танцевальных направлений и стилей. Основатели свободного танца считали, что танцевать может и должен каждый, и что танец поможет каждому развиваться и менять свою жизнь. Свободная пластика – это всегда раскрепощение, самовыражение, «полет», это особое отношение к себе, своему телу, особый способ мыслить. Свободная пластика позволяет быть одновременно спонтанным и осознанным; дает возможность выразить себя в творчестве, почувствовать радость движения, гармонию тела с музыкой и ритмом. Свободная пластика - направление в современной хореографии. Вид сценического танца, где удивительным образом сочетаются в себе элементы джазовой хореографии, стилистика направления модерн и технику классического танца.

1.2. Источники и мотивировка выбора темы хореографической постановки «Связанные»

В основе темы сюжета хореографической постановки «Связанные», лежит короткометражный фильм «Верёвка». Краткий сюжет фильма (скорее даже, зарисовки) таков: юноша и девушка «приходят в себя» посреди улицы, они связаны верёвкой спина к спине и не могут освободиться. Девушка сопротивляется, а парень идет намеченным путем. Встречающиеся им прохожие проявляют разную реакцию на их положение: одни игнорируют, другие издеваются. Последний встретившийся развязывает их, он гладит по лицу девушку и развязывает ее. Далее девушка осознает, что произошло и понимает, что она не может быть без юноши. Юноша, когда его развязали, хотел ударить освободителя, но просто отогнал, вернулся к девушке, и они вместе стали снова связывать себя веревкой.

Собственно, этот фильм является метафорой. Веревка, как символ отношений, своего рода бессознательная, либо осознанная зависимость в отношениях со своей половиной – именно это и является главной темой этого фильма.

Схожая символика часто встречается и в кино, и в литературе, в песенном творчестве современных музыкантов, вариацией веревки могут быть наручники, цепи, оковы. Аналогичные сюжеты можно встретить и в мифологии Платона: идеальные существам с четырьмя руками, четырьмя ногами и двумя головами, которые были разделены создателем и, которые всю жизнь на земле ищут свою половинку.

Другой второстепенной темой в фильме является отношение окружающих людей к ситуации, которую они наблюдают, их реакция. Окружающие их люди получают удовлетворение от наблюдения за мучениями двух связанных между собой людей. Ими являются двое прохожих, которые высмеивают их, пытаются их изобразить, при этом у них поднимается самооценка, от того что они видят. Далее им на пути встречаются два хулигана, которые пытаются издеваться над ними, унижают их. Лишь один человек проявил сочувствие и свою помощь.

В конце фильма, что более интересно для понимания смысла, который вкладывал автор: герои шагают вместе, держа друг друга за руки, она кладет голову ему на плечо. Каждый зритель просмотревший фильм сделает свои собственные выводы: кто-то скажет, что любовь в отношениях должна идти рука об руку со свободой обоих партнеров, а кто-то поймет любовь как уже не свободу, а зависимость.

Зависимость бывает не только в отношениях, основанных на любви, но и в отношениях между родителями и детьми, в дружбе между друзьями, между людьми, вынужденными по каким-либо причинам находиться вместе. В моей постановке показывается психологическая зависимость между двумя подругами. Осознание зависимости друг от друга, когда подруги перешли определенную грань в отношениях друг с другом и у них возникла такая степень психологической близости, при которой обе или одна из двух потеряли себя и это обстоятельство начало тяготить каждую из них. Например, такое чувство может возникнуть из-за сопереживания друг другу в каких-либо трудных ситуациях. Допустим от одной из подруг ушёл муж или жених - тогда вторая подруга становится для первой "всем" - и утешительницей, и советчицей, и мамой. Утешительница при этом наслаждается своей нужностью и значимостью, она чувствует себя сильной, взрослой и мудрой - ведь её советы так нужны подруге, которая с готовностью ими пользуется.

Утешительница, забывая о себе и своих близких (муже, детях), целыми днями переживает события из жизни подруги как собственные, уже почти не отличая свою жизнь от жизни подруги. Так происходит потеря себя в отношениях подруг и возникает зависимость. Наступает момент, когда у "несчастной" подруги всё в жизни начинает налаживаться (например, появляется мужчина), она постепенно отстраняется от утешительницы - ведь в ней больше нет нужды.

И вот тут утешительница испытывает настоящие муки - она чувствует пустоту, одиночество (несмотря на наличие мужа и близких), боль и ревнует подругу к её новому избраннику, чем вызывает у подруги раздражение и нежелание общаться. Со стороны это может выглядеть комично, но на самом деле это очень болезненная ситуация, которая может заканчиваться неврозами, депрессией и потерей интереса к жизни у оставленной утешительницы. Часто к тому же бывшие подруги расстаются, перестав видеться и общаться друг с другом. И их дружбе, в которой было много хорошего и искреннего, приходит конец.

История танцев народов Запада (Европы и стран, которые были образованы переселенцами с Европы) характеризуется большим разнообразием и довольно быстрыми изменениями. В то время как большинство танцовщиц Востока практиковали весьма изощренные формы танцев, которые оставались практически неизменными в течение многих столетий или даже тысячелетий, западные танцоры демонстрировали постоянную готовность, даже стремление, перенимать новые формы и идеи для своих танцев. Даже самые ранние упоминания свидетельствуют о том, что западный танец всегда охватывал огромное разнообразие общинных или ритуальных танцев, а также то, что социальные танцы использовались многими различными слоями общества. Сразу стоит отметить, что западное искусство не всегда можно четко отличать от «не-западного». Особенно четко это видно по ряду стран бывшего Советского Союза, где некоторые танцы азиатские, а другие европейские по своему происхождению и характеру. Эта статья посвящена танцу именно западных народов, исключая, где это возможно, соответствующее влияние других культур.

От античности до эпохи Возрождения

Перед тем как начали появляться первые письменные отчеты, прошел огромный промежуток времени, о котором ученые могут только догадываться. Наскальная живопись в Испании и Франции, на которой четко можно различить танцующие фигурки людей, привела к гипотезе, что религиозные обряды и попытки влиять на окружающие события посредством симпатической магии были центральными мотивами первобытного танца. Такие предположения частично подтвердились путем наблюдения танцев примитивных народов в современном мире, хотя связь между древними людьми и современными «примитивными культурами» напрочь отрицается многими учеными.

Если танцы, о которых сохранились записи в ранних письменных источниках, непосредственно развились от доисторических танцев, возможно, можно предполагать, что существовали доисторические рабочие танцы, военные танцы, эротические танцы и групповые танцы. Сегодня, в 20 веке сохранился один баварско-австрийский танец «шуплаттер», который, по мнению историков, ведет свое происхождение из неолита, т. е. примерно с 3000 г. до н.э.

Танец в древнем мире

Сохранились множество письменных свидетельств о танцах в цивилизациях Египта, Греции и соседних островов а также Рима. Кроме того, можно выделить древний еврейский танец, о котором сегодня также известно уже немало. В Египте практиковались формализованные ритуалы и ритуальные танцы, в которых жрец символизировал бога. Эти танцы, которые были кульминацией церемонии, представляющий смерть и возрождение бога Осириса, становились все более и более сложными, и в конечном итоге их могли исполнять только специально обученные танцоры.

Также из Египта до современных дней дошли самые ранние письменные свидетельства о танцах. В этих записях говорится о классе профессиональных танцоров, которых первоначально «завозили» из Африки, чтобы те развлекали богатых людей в часы досуга, а также выступали на религиозных и погребальных торжествах. Эти танцоры считались весьма ценными «приобретениями», особенно танцоры-карлики, которые стали известны своим мастерством. Один из фараонов после своей смерти был удостоен чести исполнения «танца бога-карлика», а фараон Неферкаре (3е тысячелетие до н.э.) поручил одному из своих приближенных привезти к своему двору «танцующего карлика из Земли Духов».

Сегодня ученые предполагают, что знаменитый танец живота, который сегодня исполняется танцорами из стран Ближнего Востока, на самом деле имеет африканское происхождение. Еще в 4 веке до н.э. в египетском Мемфисе был подробно описан парный танец, чем то похожий на румбу, который имел явно выраженный эротический характер. Египтяне также знали акробатические постановочные танцы, похожие на современные танцы-адажио. Они также выделялись своей чувственностью и привлекали людей изящными движениями скудно одетых танцовщиц. Картина из гробницы шейха Абдуль-Курна (которая в настоящее время выставлена в Британском музее) показывает танцоров, одетых только в браслеты и пояса, что по-видимому было предназначено для повышения их привлекательности.

Вскоре танцы в Египте начали развиваться и становиться более разнообразными и сложными. В дополнение к своим собственным танцевальным храмовым ритуалам и танцорам-пигмеям, которых привозили из верховьев Нила, появились также индусские танцы девушек из завоеванных стран на востоке. Эти новые танцы уже не имели характерных размашистых движений мужчин или жестких, угловатых поз, которые можно встретить на многих египетских каменных рельефах. Их движения были мягкими и плавными, без резких наклонов. Эти азиатские девушки принесли женственный стиль в египетские танцы.

Танец в классической Греции

В греческом танце можно найти множество египетских влияний. Некоторые пришли в Грецию через Критскую культуру, другие через греческих философов, которые ездили учиться в Египет. Философ Платон (примерно 428 - 348 годы до н.э.) был одним таких людей и именно он стал влиятельным теоретиком танца. Согласно его учения, танцы отличались от неловких движений, подобных конвульсиям, тем, что они подчеркивали красоту тела. Танцы египетского культа священного быка Аписа позже обрели свое воплощение в критском танце быка около 1400 г. до н.э. Именно он вдохновил создание танцев в лабиринте, которые, согласно легендам, Тесей привез в Афины по возвращении с освобожденными из лабиринта юношами и девушками.

Другой формой танца, которая возникла на острове Крит и процветала в Греции, был пирриха - танец с оружием. Он практиковался в Спарте в рамках военной подготовки, а также был основанием для утверждения философа Сократа, что лучшим танцором является лучший воин. К другим групповым танцам, которые пришли в Афины из Крита, относятся два танца, посвященные Аполлону, а также танец, в котором обнаженные мальчики имитировали борцовскую схватку. Женские же достоинства подчеркивались величественным и набожным хороводом в честь богов, который исполнялся девушками.

Многочисленные вазы, картины и скульптурные рельефы помогли современным ученым доказать, что в Греции существовал экстатический танец, связанный с культом Диониса. Он исполнялся на празднике «священного безумия» во время осеннего сбора винограда. В своей драме «Вакханки» Еврипид (примерно 480-406 годы до н.э.) описал неистовство греческих женщин, называемых вакханки или менады. В этом танце они неистово кружились и ритмично чеканили шаги, впадая в транс. Такие танцы были проявлением одержимости, что яволялось характеристикой многих примитивных танцев.

Дионисический культ привел к созданию греческой драмы. После женщин в танец вступали мужчины, одетые в маски развратных сатиров. Постепенно жрец, воспевающий жизнь, смерть и возвращение Диониса, то время как его приспешники сразу же изображали его слова танцами и пантомимой, становился настоящим актером. Объем танца медленно расширялся, включая в себя предметы и героев, взятых из гомеровских легенд. Были добавлены также второй актер и хор. В лирических интермедиях между играми, танцоры воссоздавали драматические темы посредством движений, перенятых от более раннего ритуала и Вакхических танцев. В комедиях исполнялся очень популярный «кордакс» - танец в масках, который славился своим распутством. В трагедиях же хор исполнил «еммелейя» - степенный танец, сопровождающийся игрой на флейте.

Эти танцы и пьесы исполнялись опытными любителями. Однако, в конце 5-го века до нашей эры возник особый класс танцоров, акробатов и жонглеров, женщины в котором принадлежали к «хетарай» или куртизанкам. Подобно тому, как это происходило раньше в Угипте, они развлекали гостей на пирах и банкетах. Историк Ксенофонт (примерно 430-355 годыдо н.э.) в своей работе «Симпозиум» рассказывает о похвалах, которые Сократ расточал танцовщице и танцующему мальчику. В другом месте Ксенофонт описывает танец, представляющий объединение легендарной героини Ариадны с Дионисом, что является ранним примером повествовательного танца.

Танец в Древнем Риме

Между этрусками и римлянами наблюдалась значительная разница в их подходе к танцу. Сегодня уже мало что известно об этрусках, которые населяли район к северу от Рима до Флоренции и процветали между VII и V веками до нашей эры. Но благодаря тому, что были найдены их гробницы, на стенах которых были обнаружены многочисленные росписи, стало очевидным, что танец играл важную роль в том, как этруски получали удовольствие от жизни. На этих фресках были найдены картины этрусских женщин, которые исполняли погребальные танцы, выстроившись в цепочки, а также живые, энергичные парные танцы. Все эти танцы исполнялись в общественных местах без масок и имели характер ухаживаний.

У римлян, в отличие от этого, было иное отношение к танцу, которое отражало их трезвый рационализм и реализм. Тем не менее, римляне не полностью ушли от соблазнов танца. До 200 г. до н.э. танцы в Древнем Риме исполнялись только в виде хоровых шествий. В них участвовали целые процессии во главе с первосвященниками салиев, жреческой коллегией жрецов Марса и Квирина, которые ходили по кругу, ритмично ударяя в свои щиты. Танец был важной частью римских фестивалей - во время празднований Луперкалий и Сатурналий исполнялись дикие групповые танцы, которые были предшественниками позднего европейского карнавала.

Позже в Риме стали распространяться греческие и этрусские влияния, хотя римская знать считала людей, которые были замечены в том, что они танцевали, подозрительными, женственными и даже опасными. Один государственный чиновник буквально не поверил своим глазам, когда увидел как десятки дочерей и сыновей уважаемых римских патрициев и граждан вполне наслаждаются досугом в школе танцев. Около 150 г. до н.э. все танцевальные школы были закрыты, но танцы было уже не остановить. И хотя танцы, возможно, были чужды внутренней природе римлян, в последующие годы все чаще начали привозить танцоров и преподавателей танцев из других стран. Государственный деятель и ученый Цицерон (106-43 годы до н.э.) подытожил общее мнение римлян, когда как-то заявил, что никто не танцевал бы до тех пор, пока не сошел бы с ума.

Самой популярной формой танца во время правления императора Августа (63 г. до н.э. - 14 г.н.э.) была бессловесная эффектная пантомима, которая передавала драматические сюжеты с помощью стилизованных жестов. Исполнители, известные как пантомимы, сначала считались переводчиками с иностранного языка, поскольку они приезжали из Греции. Они постоянно совершенствовали свои искусство, а два танцора-мима Батилл и Пилад и вовсе стали настоящими звездными исполнителями во время Августова Рима. Стилизованное выступление танцоров, которые носили маски, соответствующие теме их танца, сопровождалось игрой музыкантов, играющих на флейтах, рожках и ударных инструментах, а также пением хора, который пел о происходящем на сцене между танцевальных эпизодов.

Источник Википедия и 4dancing.ru

Истоки танцевального искусства заложены в глубокой древности. Свидетельство тому - наскальные рисунки с изображением танцующих фигур, созданные предположительно в период неолит (8 - 5 тыс. лет до н.э.).

До сих пор не существует единого мнения о первенстве рождения танца, песни или музыки, неоспоримо одно - появление танца связано с осознанием ритма в качестве сопровождения определённой последовательности телодвижений. Эти ритмические телодвижения могли нести в себе различное содержание, что послужило впоследствии поводом к созданию множества теорий о происхождении танца (его предшественниками называли игру, магические или религиозные ритуалы, эротические инстинкты и т.п.). Любая из теорий имеет право на существование, а также не может считаться и единственно верной. Их внимательное изучение подтверждает вывод - во все времена танец имел важное значение в общественной жизни человека, в его гармоничном, эстетическом и физическом развитии.

Уже на первом этапе своего существования танец пытался в общественной форме отображать действительность, отбирать наиболее типические его черты, придавать им определённый образ. Первой музыкой для танцующих были звуки барабанов, шум звенящих браслетов и амулетов, первым гримом служила раскраска лица, имитирующая кровь, а первым опытом актёрской выразительности - подражание различным животным. Всё это довелось увидеть исследователям в начале XX столетия у индейцев Бразилии и некоторых индейских племён Северной Америки.

Кроме подражательной, танец нёс и воспитательную функцию. Американский исследователь запечатлел пример исполнения воинственного танца 33 шеренгами по 33 человека в каждой. Эта огромная масса танцующих, действуя удивительно слаженно, отображала силу и мощь войска.

Рождение искусства танца

Первые танцы древности были далеки от того, что в наши дни называют этим словом. Они имели совсем иное значение. Разнообразными движениями и жестами человек передавал свои впечатления от окружающего мира, вкладывая в них своё настроение, своё душевное состояние. Возгласы, пение, пантомимная игра были взаимосвязаны с танцем. Сам же танец всегда, во всем времена был тесно связан с жизнью и бытом людей. Поэтому каждый танец отвечает характеру, духу народа, у которого он зародился. С изменением социального строя, условий жизни менялся характер и тематика искусства, изменялся и танец. Своими корнями он глубоко уходил в народное творчество.

Пляски были очень распространены у народов древнего мира. Танцующие стремились к тому, чтобы каждое движение, жест, мимика выражали какую-нибудь мысль, действие, поступок. Выразительные танцы имели огромное значение и в быту, и в общественной жизни. Очень часто празднества начинались и сопровождались плясками.

Для человека первобытного общества танец -- это способ мышления и жизни. В танцах, изображающих животных, отрабатываются охотничьи приемы; танцем выражаются моления о плодородии, о дожде и о других насущных нуждах племени. Любовь, труд и обряд воплощаются в танцевальных движениях. Танец в этом случае настолько связан с жизнью, что на языке мексиканских индейцев тарахумара понятия "труд" и "танец" выражаются одним и тем же словом. Глубоко воспринимая ритмы природы, люди первобытного общества не могли не подражать им в своих танцах.

Первобытные танцы обычно исполняются группами. Хороводные танцы имеют конкретное значение, определенные цели: изгнать злых духов, исцелить больного, отогнать беду от племени. Самое распространенное движение здесь -- топанье, возможно, потому, что оно заставляет землю трепетать и покоряться человеку. В первобытных обществах распространены танцы на корточках; танцующие любят кружиться, дергаться и скакать. Скачки и кружения доводят танцующих до экстатического состояния, заканчивающегося иногда потерей сознания. Танцующие обычно не носят одежды, зато носят маски, сложные головные уборы и часто раскрашивают свое тело. В качестве аккомпанемента используются топанье, хлопки в ладоши, а также игра на всевозможных барабанах и дудках из природных материалов.

У первобытных племен нет регламентированной техники танца, но великолепная физическая подготовка позволяет танцующим полностью отдаваться танцу и плясать с абсолютной самоотдачей, вплоть до исступления. Танцы такого рода до сих пор можно увидеть на островах южной части Тихого Океана, в Африке и в Центральной и Южной Америке.

Важные наглядные сведения о развитии танца в Древнем Египте можно почерпнуть из иероглифических записей, деревянных рельефов, изображений, высеченных на камне, скульптуры и разных предметов из древних гробниц. В Абидосе -- месте, где, по верованиям египтян, был похоронен бог мертвых Осирис, -- в период летнего солнцеворота проводились обряды с танцами и музыкой. Группы певцов и танцовщиков жили при храмах и участвовали в поклонении богам. Одним из главных праздников был обряд, посвященный быку Апису, с тайными танцами, исполняемыми «служителями» быка.

Чувство театральности было очень сильно у людей Древнего Египта. Даже их храмовые танцовщики исполняли акробатические трюки, и на рельефах можно видеть женщину, делающую шпагат, или женщину, которую подбрасывают в воздух и затем подхватывают два партнера, а также мужчину, стоящего на одной ноге и собирающегося сделать пируэт.

Погребальные и церемониальные танцы отличались строгостью и простотой, но со временем стали возникать и другие, более декоративные виды танца. Рабов и рабынь обучали танцам для домашних развлечений. В Египет привозились танцовщики из других стран. Имелись странствующие труппы профессиональных актеров, которые разыгрывали пантомимы, исполняли акробатические номера под аккомпанемент бубнов и кастаньет. Некоторое время пользовались популярностью танцы негров-пигмеев.

В произведениях древних поэтов, писателей, художников встречаются названия танцев и их участников, описываются правила исполнения.

Так, например, древнегреческий поэт Гомер в «Илиаде» описал хоровод, а в «Одиссее» - мужской дуэт на фоне танцующих юношей. Лукиан написал целый трактат «Диалог о танце». Описания танцев мы можем встретить и у Аристотеля, Филострата, в трагедиях Эсхила, Софокла, Еврипида, в комедиях Аристофана. О характере древнегреческих танцев рассказывают и многочисленные изображения танцовщиков и танцовщиц на барельевах, в вазописи, в скульптуре. Наиболее известны барельеф «Танцующие молодые гречанки», вазовая живопись «Кордакс» и «Сикиннис», скульптуры - «Танцующая гречанка», «Танцующая Менада», знаменитые Танагрские статуэтки, «Бегущий Меркуриий».

Танцы древних греков можно разделить на священные (обрядовые, ритуальные), военные, сценические, общественно-бытовые. Примерно такие же по характеру танцы были и у других народов.

Священные пляски по преданию были перенесены в Грецию из Египта Орфеем. Он увидел их во время храмовых празднеств египтян. Но движения, жесты он подчинил своему ритму, и они стали больше соответствовать характеру и духу греков. Эти пляски исполнялись под звуки лиры, отличались строгой красотой. Праздники, а значит и танцы, часто посвящались разным богам: Дионису, богине Афродите, Афине. Они отражали определённые дни трудового календарного года.

Военные пляски в Древней Греции играли большую роль в воспитании мужества, патриотизма, чувства долга у юношества. Обычно военные, пиррические пляски исполняли двое. Существовали такие массовые пиррихии, в которых танцевали одни юноши, а иногда вместе с юношами плясали и девушки. Военные пляски воспроизводили бой, различные боевые перестроения, это были сложные хореографические композиции. В рувках у танцующих были луки, стрелы, щиты, зажженные факелы, мечи, копья, дротики. В сюжетах героических танцев, как правило, находили отражение мифы и предания о героях.

Сценические танцы древних греков были частью театральных представлений, причём каждому жанру соответствовали свои танцы. Во время танцев исполнители отбивали такт ногами, для этого они надевали особые деревянные или железные сандалии, иногда отбивали такт руками с помощью надетых на средние пальцы своеобразных кастаньет - устричных раковин.

Общественно-бытовые танцы сопровождали семейные и личные торжества, городские и общегосударственные праздники. Различались танцы домашние, городские, сельские. Они были разнообразны по тематике и композиционному рисунку, по составу исполнителей. Именно общественно-бытовые танцы оказывали большое влияние на возникновение сценического танца.

Суровые римские воины первых веков наше эры особенно любили воинственные танец в память похищения сабинянок. Его, по преданию, ввёл Ромул. Были и танцы жрецов, прославляющие богов, они напоминали скорее торжественное шествие.

Во время упадка Римской империи танцы и пантомимы превратились в безнравственные зрелища, и почтенные граждане Рима относились к ним с презрением. О танцах римлян в своих трактатах писали Цицерон и Гораций.