Cultura artistică rusă din secolele XVII-XVIII. Prezentare pe tema „Cultura artistică a secolelor XVII-XVIII” Cultura artistică în secolul al XVII-lea

Umaniștii Renașterii au pus în fața omenirii sarcina de a subjuga toate forțele naturii și de a transforma normele. viata publica. Secolul al XVII-lea a concentrat atenția minților asupra primei sarcini. Secolul al XVIII-lea a îndreptat toate cele mai bune forțe intelectuale să rezolve probleme sociale. Astfel, secolul al XVII-lea a devenit o perioadă de stăpânire științifică a naturii, iar secolul al XVIII-lea a devenit un secol al reorganizării sociale.

Secolul al XVII-lea a marcat nașterea sistemului burghez. Primele lovituri sunt date feudalismului: revoluțiile din Țările de Jos (1566-1609) și Anglia (1640-1688), înființarea unui stat absolutist în Franța, care a asigurat creșterea burgheziei. Creșterea economiei în țările avansate ale Europei, înflorirea manufacturii și a comerțului au creat terenul pentru progresul științelor exacte și naturale. Marile descoperiri ale lui Galileo, Kepler, Newton, Leibniz, Descartes în matematică, astronomie, fizică, filozofie au contribuit la aprobarea ideilor materialiste (Bacon, Hobbes, Locke, Spinoza), la extinderea și aprofundarea ideilor despre natură și univers. Pe baza acestor realizări, gânditorii secolului al XVII-lea au ajuns la o viziune sistemică holistică asupra lumii.

Un proces similar are loc în artă: se afirmă o percepție mai holistică și mai profundă a realității. În secolul al XVII-lea, în legătură cu dorința pentru o reflectare mai largă a realității în artă, există o varietate metode creative, tendințe ideologice și artistice, forme de gen. Căutările artistice sunt întruchipate în curentul principal din trei direcții: realism, baroc și clasicism.

Realismul renascentist își continuă dezvoltarea, tradițiile democratice ale umaniștilor Renașterii sunt dezvăluite în opera unor scriitori, artiști, sculptori importanți. Este vorba despre dramaturgul spaniol Lope de Vega, artistul italian Caravaggio, marele pictor olandez Rembrandt, umanistul spaniol Velazquez și alții. Potrivit scriitorului francez Charles Sorel, realiștii și-au pus sarcina de a „arăta o imagine a vieții umane”, având în vedere diversele sale aspecte.

Arta barocă *228 s-a străduit să dezvăluie viața în mișcare, în lupta forțelor elementare schimbătoare. A influențat cititorul, privitorul cu tensiune dramatică, expresia formelor. Arta barocă a fost construită pe contraste, asimetrii, gravita spre grandiozitate, aglomerație cu motive decorative; în pictură, s-a străduit să încalce perspectiva liniară directă, a preferat liniile - un loc, o masă, contraste de lumină și umbră. Principalele tipuri de artă baroc au fost ansamblurile de parcuri și palate, arhitectura de cult, pictura și sculptura decorativă, portretul ceremonial, natura moartă. Eroii operelor de artă baroc au fost înfățișați într-o stare de extaz, realizând o ispravă, triumf sau în scene de chin, suferință. În manifestări extreme, arta baroc a ajuns la misticism, iraționalism.

*228: (Baroc (barosso italian) - capricios, ciudat.)

Stilul baroc a fost cel mai clar întruchipat în arhitectură și sculptură, deși trăsăturile acestui stil și-au găsit expresie în opera lui Caravaggio, Rubens; Barocul a influențat opera scriitorilor Corneille, Racine, Milton, poeților germani și alții. Barocul s-a dezvoltat în diverse țări: în Italia, unde acest stil a fost în mod deosebit viu întruchipat în arhitectură (Roma baroc), în Spania, Portugalia, Flandra, iar mai târziu în Germania, Europa de Est, Lumina lui Iov. În secolul al XVIII-lea, barocul a primit o dezvoltare strălucitoare în Rusia și Ucraina.

Clasicismul *229 a fost generat de Renaștere, patria sa a fost Italia. A apărut odată cu teatrul antic reînviat și a fost inițial o opoziție directă cu drama medievală. Văzând în dramă antică exemplu de perfecțiune artistică, teoreticienii clasicismului au formulat legile teatrului pe baza lui. Deja în 1526, dramaturgul italian Trissino a scris tragedia Sophonisba, după modelul lucrărilor lui Sofocle și Euripide, preluând intriga din povestea lui Titus Livius, reflectând evenimentele istoriei romane.

*229: (Clasicismul (lat. classicus - exemplar); cea mai importantă caracteristică a acestei metode este apelul la mostrele și formele antichității ca standard estetic ideal)

Dar clasicismul s-a dezvoltat nu în Italia, ci în Franța. Acolo au fost dezvoltate canoanele clasicismului în cartea lui I. Boileau „Arta poetică”. Clasicismul în Franța secolului al XVII-lea a devenit metoda artistică oficială, recunoscută de guvern. Politica statului absolutist în perioada de tranziție la un sistem la nivel național, principiul statalității și disciplinei civile au cerut cea mai strictă formă de disciplină din art.

Înflorirea clasicismului a fost determinată în mare măsură de filosofia materialistă și raționalistă a lui Descartes. Raţiunea a devenit singura sursă de adevăr; gândirea, nu emoția, a devenit elementul dominant al artei.

Principalele canoane ale clasicismului s-au rezumat la următoarele:

• principiul reflectării veridice a realității;
• reguli a trei unități: loc, timp și acțiune;
• caracteristică actor conform oricărei trăsături care predomină în acest caracter; crearea unui tip care reflectă generalul, universalul, eternul;
• ierarhia genurilor: înaltă - tragedie, epopee, odă; joasă - comedie, satira, fabulă. Se distingeau cu strictețe sublimul și baza, tragicul și comicul, eroic și banal;
• o imagine puternic contrastantă a personajelor - răufăcători și eroi;
• principiul didactic: doctrina rolului educativ al artei, al cărei scop este demascarea și pedepsirea viciului și recompensarea virtuții.

Principalele metode artistice au ocupat un loc diferit în Europa şcoli de artă Oh. În Italia secolului al XVII-lea, metoda barocului era dominantă; Roma a devenit unul dintre principalele sale centre. Maeștrii barocului s-au străduit pentru dimensiuni grandioase, forme complexe, exaltare monumentală. Există o sinteză a artelor plastice, în care sculptura și pictura sunt subordonate arhitecturii.

Originile arhitecturii baroc sunt stabilite în lucrările târzii ale figurilor renascentiste - Vignola, Palladio și în special Michelangelo. Expresivitatea și pitorescul barocului și-au găsit expresie în lucrările unor arhitecți precum Barromini (1599-1667), Bernini (1598-1680), a căror activitate arhitecturală cea mai mare a fost finalizarea construcției Catedralei Sf. Petru la Roma și decorarea pieței din fața lui. Grupul de altar din biserica Santa Maria della Victoria - „Extazul Sfintei Tereza” se remarcă prin măiestrie fină, fidelitate față de detaliile vitale. Un exemplu de sculptură barocă a lui Bernini este magnificul portret ceremonial al francezului „Regele Soare” Ludovic al XIV-lea.

Cel mai izbitor exponent al ideilor noi în pictură din această perioadă a fost Caravaggio (Michelangelo Merisi da Caravaggio, 1573-1610). Apropierea de maeștrii Înaltei Renașteri se manifestă în tabloul „Tânăr cu lăută”. Interpretează cu îndrăzneală imaginile religioase Caravaggio. Pictura sa se remarcă prin contraste ascuțite de clarobscur, modelare plastică a figurilor reprezentate în unghiuri complexe, monumentalitate („Mărturisirea Apostolului Matei”, „Convertirea lui Saul” și altele). Puterea tragică se distinge prin „Înmormântarea”, adevărul și profunzimea experiențelor – „Adormirea Mariei”. Impactul Caravaggio asupra dezvoltării realismului în arta europeană a fost semnificativ. Urmărirea tradițiilor sale se numea caravagism.

La începutul secolelor XVI-XVII, în Italia s-a conturat o tendință academică în pictură, care a fost întruchipată în Academia Bologna (fondatorii acesteia au fost frații Lodovico, Agostino și Annibale Carracci). Revenind la tradițiile Renașterii, susținătorii acestei tendințe au afirmat inviolabilitatea normelor și idealurilor frumuseții Renașterii, care în cele din urmă au devenit clișee.

Guido Reni (1575-1642) și Guercino (Francesco Barbieri, 1591-1666) au devenit succesorii cazului Carracci.

În secolul al XVII-lea are loc formarea școlii naționale de artă din Flandra, în care formele barocului se împletesc cu cele realiste. În pictura flamandă, trăsături precum setea de cunoaștere a lumii, naționalitatea, veselia, festivitatea solemnă și-au găsit expresie.

Cel mai mare artist, șeful școlii flamande de pictură a fost Peter Paul Rubens (1577-1640), în a cărui operă realismul puternic este combinat cu o formă națională particulară de baroc. Lucrările sale sunt caracterizate de un simț al dinamicii, variabilitatea vieții. Rubens creează compoziții de altar, ale căror intrigi se bazează pe episoade de martiriu, pe imaginea suferinței, HO, în același timp, victoria morală a eroilor muribunzi. Așa este compoziția „Înălțarea Crucii”, unde crucea înălțată cu figura puternică a lui Hristos răstignit, luminată de un snop îngust de lumină, domină un grup de rude îndurerate și călăi vesel.

Rubens a apelat la teme mitologice și alegorice, care au făcut posibilă întruchiparea sentimentelor eroice. Asemenea maeștrilor Renașterii, Rubens a cântat despre om, despre unitatea armonioasă a spiritului și trupului său. A realizat lucrări: „Bacanale”, „Răpirea fiicelor lui Leucip”, „Perseu și Andromeda”, pline de expresie și tensiune „Vânătoare de mistreți” și „Vânătoare de leu”, portrete, autoportrete etc. Lucrarea lui Rubens a avut o importanță deosebită pentru formarea picturii flamande (Van Dyck, 1599-1641 și Jacob Jordans, 1593-1678 și alții).

În secolul al XVII-lea, natura moartă a fost stabilită în pictura din Flandra ca gen independent. Frans Snyders (1579-1657) a fost un maestru major al naturii moarte monumentale decorative a „darurilor naturii” și „scenelor de vânătoare”. În naturile lui moarte, umplând întreg spațiul pictural, obiectele se întunecă unele pe altele, atârnă de mese și cad pe podea. Decorativitatea este obținută printr-o culoare deosebită: culorile contrastante strălucitoare ies în evidență pe un fundal neutru. Echilibrul maselor de culoare, linii orizontale clare de mese și bănci organizează compoziții („Natura moartă cu lebădă” și altele).

Arta Olandei în secolul al XVII-lea a reflectat în mod deosebit tendințele epocii. Locul principal în pictură a fost ocupat de genul de zi cu zi, portret, peisaj, natură moartă. Fondatorul portretului realist olandez a fost Frans Hals (1580-1666). Contemporanul său a fost marele pictor Rembrandt van Rijn (1606-1666) - unul dintre vârfurile picturii mondiale. Rembrandt a fost atras nu de părțile individuale Viata de zi cu zi, dar mișcări spirituale puternice ale unei persoane, ciocniri dramatice care au un caracter universal. A creat portrete de grup (un portret al medicilor „Lecția de anatomie a Dr. Tuln”, un portret al unei companii de pușcași „Night Watch” și altele), în care personajele sunt legate printr-un singur complot și, în același timp, transferate. trăsături de personalitate toata lumea. Rembrandt se îndreaptă spre teme biblice: scrie Jertfa lui Avraam, Adio lui Ionatan al lui David, Sfânta Familie și altele, în care profunzimea sentimentelor umane captivează. În scene simple de zi cu zi, artistul dezvăluie toată complexitatea viata mentala eroii lor.

Talentul lui Rembrandt și-a găsit expresia strălucitoare în portrete („Portretul lui Saskia”, „Autoportret cu Saskia în genunchi”, „Portretul lui Hendrickje Stoffels” și altele). Paleta de culori a artistului servește la dezvăluirea gândurilor, sentimentelor, vederilor artistului asupra lumii, cel mai unic „Rembrandt” al mijloacelor de pictură - clarobscur, care vă permite să creați strălucire în întuneric. Această proprietate s-a manifestat cu o forță deosebită în autoportretele artistului.

Celebra Danae, imaginea unei femei transformată și frumoasă în impulsul ei amoros, se remarcă prin profunzimea și frumusețea imaginii. Cea mai mare realizare a operei lui Rembrandt este pictura „Întoarcerea fiu risipitor", scris pe complotul pildei evangheliei. În imaginea unui fiu risipitor zdrențuit, cu capul ras, care s-a întors la tatăl său părăsit, se exprimă calea tragică a cunoașterii vieții, un sentiment de rușine și pocăință. Imaginea de tatăl întruchipează cea mai înaltă fericire umană, iubirea paternă și iertarea - acel legământ, pe care marele maestru l-a lăsat poporului.

În secolul al XVII-lea, principiile peisajului realist olandez (Ruisdael, 1628/29-1682) au luat contur, iar natura moartă s-a răspândit. Pictori proeminenți de natură moartă au fost Pieter Claesz (circa 1597-1661) și Willem Heda (1594-1680/82). Au scris numeroase „micuri dejun”, izbitoare, se pare, cu o grămadă haotică de obiecte (șuncă, plăcinte, pahare etc.). Dar compoziția acestor lucrări este strict gândită, gamă tonală gri-aurie, măsline.

combină articole. Maeștrii naturii moarte includ Beyeren, Kalf și alții.

Sfârșitul secolelor XVI-XVII - perioada de glorie a culturii spaniole. Arta Spaniei a fost afectată de influența moștenirii medievale (stil gotic), a culturii maure (datorită dominației de secole a arabilor în Spania) și a influenței Bisericii Catolice. Toată arta Spaniei este pătrunsă de idei religioase, dar este îndreptată către viața reală,

Perioada de glorie a picturii spaniole este asociată cu numele lui Domenico Theotocopuli, supranumit El Grsko (1541-1614). Opera artistului, formată sub influență Renașterea italiană(Titian, Tintoretto), pictura bizantină (icoane și mozaicuri), se disting prin profunzimea gândirii filozofice, orientare umanistăși în același timp tragic, care reflecta criza idealurilor umaniste, un sentiment de singurătate, confuzie și anxietate. Arta expresivă dramatică a lui El Greco este greu de atribuit oricărei direcții. Figurile din picturile sale sunt alungite, deformate bizar în numele unei expresivitati deosebite. Da, și întregul spațiu al imaginii este deformat.

Cele mai semnificative lucrări ale lui El Greco: „Îngroparea contelui Orgaz”, „Apostolii Petru și Pavel”, „Martiriul Sfântului Mauritius”, „Portretul unui cavaler cu mâna pe piept” și altele. În portretele sale, El Greco întruchipează diverse tipuri de spanioli, dezvăluie trăsăturile aspectului lor spiritual.

Reprezentanți proeminenți ai școlii realiste au fost Jusepe Ribera (1591-1652), Francisco Zurbaran (1598 - aproximativ 1664). Pictura spaniolă a atins apogeul în opera lui Velázquez.

Diego Rodriguez de Silva Velázquez (1599-1660) este unul dintre cei mai mari realiști. Forța operei sale constă în profunzimea analizei psihologice, în măiestria coloristică a manierului său artistic. Velasquez, fiind pictorul de curte al lui Filip al IV-lea, a realizat multe portrete ale regelui, ale membrilor familiei sale, apropiați și bufoni. În ciuda limitelor care îl legau, Velasquez a spus adevărul despre oameni cu pensula lui. Este semnificativ faptul că papa Inocențiu al X-lea, văzându-și portretul, a exclamat: „Prea sincer!”

Velázquez a scris pe scene mitologice („Bacchus”, „Venus cu oglindă”), pe scene de luptă („Predarea Bredei”). Primul dintre artiștii din Europa de Vest, a cântat frumusețea muncii de zi cu zi („Spinners”). Descoperirile lui Velazquez în domeniul luminii și culorii, trăsăturile realismului său au avut un impact semnificativ asupra picturii secolelor XVIII - XIX.

Fiul Renașterii a fost dramaturgul spaniol Lope de Vega (1562 - 1635). Cadrul clasicismului era prea strâns pentru el, el considera necesar să „amestecă tragicul cu amuzant”, „un amestec de sublim și ridicol”. Teatrul lui Lope de Vega are un caracter de afirmare a vieții, personajele sale sunt persoane energice, optimiste, conflictul se bazează pe teme de onoare și eroism. Comediile sale sunt „oglinda vieții”. Opera centrală a lui Lope de Vega este drama eroică „Izvorul oilor”. Tema piesei este răscoala din orașul Fuente Ovehuna (tradus ca „Izvorul oilor”). În centru sunt imagini ale simplelor țărani Laurencia și Frandoso, dragostea lor depășește toate obstacolele.

Clasicismul a dominat Franța în secolul al XVII-lea. Trei talente strălucitoare au adus faima acestei metode: Corneille, Racine și Molière.

Pierre Corneille (1606-1684) a creat tragedia „Sid”, dedicată eroului spaniolului epopee populară Rodrigo Diaz, supranumit Sid. Revenind la tema iubirii lui Rodrigo și Jimena, Corneille se concentrează acţiune scenică asupra conflictului datoriei si sentimentului, care era caracteristic problemelor clasicismului.

Jean Racine (1639-1699) a deschis o nouă direcție în teatrul francez cu tragedia sa Andromache. Dacă Corneille era cântăreața puterii umane, atunci Racine era slăbiciune. El dezvăluie tabloul discordiei morale a personalității din tragedia „Fedra”. Conflictul dintre pasiune și datorie își atinge limita, ducând la o criză morală a individului.

Molière (Jean Baptiste Pokley, 1622-1673) - creatorul comediei naționale franceze. El a văzut scopul muncii sale în „îndreptarea oamenilor distrându-i”, „dezvăluind viciile secolului în imagini amuzante”. Molière nu s-a opus regulilor clasiciste, dar comediile sale au gravitat spre realism. Moliere a creat peste treizeci de piese de teatru. 11apbolse semnificative dintre ele - „Tartuffe”, „Don Juan”, „Mizantrop”, „Miserly”, „Piersman în nobilime”, „Tregul lui Skapin” și alții. În ele, dramaturgul a expus vicii umane universale, le-a făcut recunoscute în orice mediu și în orice moment.

Fondatorul clasicismului în pictura franceză a fost Nicolas Poussin (1594-1665). Lucrările sale se disting prin idei, gânduri și sentimente profunde. El credea că arta ar trebui să reamintească unei persoane „de contemplarea frunții zburătoare și de înțelepciunea, cu ajutorul căreia va putea rămâne ferm și de neclintit înaintea loviturilor destinului”. În cadrul scenelor din mitologia antică iar Biblia, Poussin a dezvăluit temele epocii moderne. În lucrările sale, el s-a străduit pentru calm maiestuos, reținere nobilă, echilibru. Idealul lui este un erou care menține o liniște imperturbabilă a sufletului în încercările vieții, capabil să realizeze o ispravă. Poussin a fost inspirat de arta antichității și a Renașterii, care s-a reflectat în lucrări - „Venus adormită”, „Moartea lui Germanicus”, „Tancred și Erminia”, „Păstorii Arcadieni” și altele. Una dintre trăsăturile caracteristice ale talentului său este capacitatea de a dezvălui lumea interioara o persoană în mișcare, în gest, în ritmuri.

În anii 1750 și 60, Poussin s-a orientat către peisaj, care este scena acțiunii eroilor legendari („Peisaj cu Polifem” și altele). Apelul la autocunoaștere și perfecțiune spirituală este cuprins în „Autoportret” al lui Poussin.

Peisajul clasic a fost dezvoltat în opera lui Lorrain (Claude Gellet, 1600-1682). Aceste peisaje sunt visătoare și elegiace. Lorrain îmbogățește peisajele cu observații proaspete, simte subtil mediul de lumină și aer, cele mai mici schimbări în natură. Cele mai bune peisaje includ „Amiază”, „Seara”, „Dimineața”, „Noapte”. Artistul a obținut un sentiment al lărgimii spațiului, al mișcării în profunzime. Picturile sale se disting printr-o manieră picturală moale și o colorare armonioasă. Pentru prima dată în pictura franceză, Lorrain a descris porturile Franței și scene de gen din viața pescarilor. Desenele cu cerneală ale maestrului sunt romantice și emoționante. Peisajele lui Lorrain au avut un impact semnificativ asupra dezvoltării genului de peisaj în pictura europeană. Tendințele clasicismului s-au dezvoltat în pictura lui Callot (1592-1635), Latour (1593-1652), Louis Lenain (1593-1648),

În a doua jumătate a secolului al XVII-lea, pictura și sculptura în Franța au căpătat un caracter decorativ și au fost subordonate arhitecturii. În 1671 a fost fondată Academia de Arhitectură. Se formează un nou tip de oraș centralizat obișnuit. Se aplică sistemul de ordine al antichității; în construcția volumelor și compozițiilor clădirilor se afirmă o strictă regularitate, ordine și simetrie. Se creează ansambluri de parcuri ceremoniale, palate de tip nou, de exemplu, palatul Vaux le Vicomte.

Cea mai completă întruchipare a acestor tendințe a fost realizată în grandiosul ansamblu de la Versailles (1668-1689), care a fost reședința principală a regelui și a glorificat puterea nemărginită a absolutismului francez. Potrivit lui A. Benois, Versailles este „un poem al umanității îndrăgostiți de natură, stăpânind chiar asupra acestei naturi” (arhitecții Louis Levo, Andre Lenotrou, Jules Hardouin-Monsart).

Planul de la Versailles se distinge prin claritate, simetrie și armonie. Palatul extins domină zona înconjurătoare și o organizează. Liniile drepte dominante, planurile netede și formele geometrice ale parterului, iazurile, copacii tăiați și paturile de flori au unit ansamblul parcului. La Versailles, pretutindeni se manifestă dorința omului de a subordona natura rațiunii și voinței.

Statuile, grupurile sculpturale, reliefurile, compozițiile fântânilor au jucat un rol important în proiectarea ansamblului palatului și parcului. Dorința de splendoare a fost combinată cu simțul proporției, începutul ordinii. Au fost reconstruite orașe, în special Paris. A fost decorat cu Piața St. Louis (acum Vendôme), Place des Victories, care a devenit centrul rețelei de străzi a orașului, și Place des Vosges. Așa-numitul Les Invalides cu o catedrală este în curs de ridicare (în imitație a Catedralei Sf. Petru din Roma).

Stilul epocii este viu reprezentat în fațada de est a Luvru (Arhiepiscopul Claude Perrault), construită pe lângă părțile principale ale clădirii, ridicate în secolul al XVI-lea (arhitecții Lescaut și Lemercier). Decorată cu o colonadă din ordinul corintian, se întinde pe 173 de metri și este concepută pentru percepția de la distanță. O lucrare a clasicismului francez matur, Luvru a servit drept model pentru multe dintre reședințele conducătorilor Europei. În sculptură au predominat formele decorative, în care clasicismul a fost combinat cu elemente de patos baroc („Nimfe de scăldat”, monumente ecvestre ale lui Ludovic al XIV-lea – de Francois Girardon; portrete, figuri alegorice ale râurilor, pietre funerare – de Antoine Coisevox).

Opera sculptorului, arhitectului, pictorului Pierre Puget (1620-1694), care a lucrat la Toulon și Marsilia („Atlanti”, „Dragă Croton” și altele) s-a remarcat printr-un talent original.

Secolul al XVIII-lea a fost numit Epoca Iluminismului, impregnat de spiritul de luptă împotriva tuturor descendenților feudalismului, culminând cu revoluția burgheză franceză din 1789-1794. Pe parcursul unui secol, s-a realizat o defalcare gigantică a tuturor fundamentelor sociale și statale, conceptelor și criteriilor vechii societăți.

Secolul XVIII - epoca Rațiunii; științele exacte și naturale, geografia, arheologia, istoria și filozofia materialistă, legate de tehnologie, se dezvoltă. Un eveniment important a fost publicarea „Dicționarului Enciclopedic, sau explicativ de științe, arte și meserii” (1751-1780), organizat de D. Diderot, participanții J.-L. D „Alamber, Voltaire, Ch.-L. Montesquieu și alți oameni de știință care au primit numele de „enciclopediști”. O lucrare filozofică remarcabilă a fost „Sistemul naturii” de P. Holbach (1723-1789). D. Diderot (1713). -1784) a introdus în predarea materialistă elemente ale dialecticii.

Dar în epoca rațiunii, prospețimea și sinceritatea simțirii, capabile să reînvie virtuțile primordiale ale „omului natural”, nu au fost suprimate. Rousseau spunea: „Omul este mare numai în sentimentele sale”. Aceste opinii și-au găsit exprimarea într-o profunzime analiza psihologica, întruchipată în galeria de portrete, în peisaje istorice (Gsyisborough, Watteau, Berna, Robert), în " roman liric"," poezii în proză "(Rousseau, Prevost, Marivo, Fielding, Stern, Richardson), în muzică (Handel, Bach, Gluck, Haydn, Mozart, compozitori italieni de operă). Eroi opere de artă a devenit atât „oameni mici”, cât și un om intelectual civilizat, născut din cultura iluminismului.

Arta secolului al XVIII-lea a trecut prin două etape. Prima a durat până în 1740-1760 și s-a caracterizat prin modificarea formelor barocului târziu în stilul decorativ rococo. În această perioadă, a existat o combinație de scepticism și rafinament duhovnic și batjocoritor: s-a realizat o analiză rafinată a sentimentelor și stărilor de spirit, în același timp, a existat o gravitație către „filozofia plăcerii”, spre imagini fabuloase Est.

A doua etapă (a doua jumătate a secolului al XVIII-lea) este legată de adâncirea contradicțiilor ideologice și artistice. Academia Regală din Franța a încercat să reînvie stilul ceremonial al artei academice de la sfârșitul secolului al XVII-lea, care trebuia să întărească autoritatea „absolutismului iluminat”. Reprezentanții gândirii avansate s-au îndreptat către moștenirea antică; clasicismul s-a reafirmat, opunându-se barocului decorativ cu simțul proporției, noblețea gândurilor și faptelor. Nou în clasicismul secolului al XVIII-lea a fost o orientare antifeudală, în Franța - un caracter revoluționar, adus la viață de ideile luptei împotriva absolutismului.

În același timp, realismul a continuat să se dezvolte în secolul al XVIII-lea. Folosind învățăturile materialiste ale lui Aristotel despre artă, iluminatorii au început să pună bazele teoretice ale realismului critic, care a fost stabilit în artă deja în secolul al XIX-lea.

În ultima treime a secolului al XVIII-lea, s-a răspândit pe scară largă o nouă direcție artistică, sentimentalismul, care s-a născut în Anglia. Lawrence Sterne i-a dat numele cu romanul său Sentimental Journey, dar adevăratul său fondator a fost scriitor englez Richardson, atunci principiile sentimentalismului au fost întruchipate în opera lui Schiller, Goethe, Rousseau, Diderot, în pictură - în pânzele lui Chardin și Greuze. Un loc de cinste în lucrările lor a fost ocupat de natură, de contemplarea frumuseții ei. Spre deosebire de sublim și maiestuos (clasicismul), sentimentalismul a adus lucruri emoționante în artă; sentimentul a fost ridicat la un cult, iar sensibilitatea la un principiu moral.

Formarea unei direcții preromantice este asociată cu sentimentalismul.

Produsul timpului său - epoca revoluției burgheze din Anglia - a fost opera lui Daniel Defoe (1660-1731), care în romanul „Robinson Crusoe” a afirmat ideea unei personalități active cu voință puternică.

Romanul lui J. Swift (1667-745) „Călătoriile lui Gulliver” a fost o reflecție batjocoritoare și tristă asupra soartei rasei umane.

Școala engleză de pictură din secolul al XVIII-lea a prezentat o galaxie de maeștri talentați și ocupă unul dintre primele locuri în Europa. Acesta este un realist William Hogarth (1697-1764) - un ciclu de picturi „Cariera unei molii”, „Căsătoria la modă”, „Vânzător de creveți”, „Autoportret” și altele. Joshua Reynolds (1723-1792) a ocupat un loc special printre portretiștii.

Cel mai mare pictor englez a fost Thomas Gainsborough (1727-1788), un maestru al portretului și al peisajului. Colorarea sa, construită pe o combinație de tonuri reci albăstrui-argintiu, gri măsliniu, sidefat, cucerește cu noblețe și armonie („Blue Boy”, „Portretul ducesei de Beaufort”). În peisajele rurale, artistul a transmis diverse stări ale naturii, anticipând arta secolului al XIX-lea („Cascada”). De asemenea, apelează la scene de gen („Faggo Gatherers”).

Gainsborough este urmat de o galaxie de portretişti englezi: J. Romney (1754-1802), T. Lawrence (1769-1830), G. Reberi (1756-1832) şi alţii.

Arhitectura engleză a secolului al XVIII-lea continuă să stea pe pozițiile raționalismului și clasicismului: G. Wood (1705-1754), W. Kent (1684-1748), J. Gibbs (1682-1754).

Mișcarea iluminismului și-a găsit o expresie vie în știința și arta Franței.

Lucrările lui Lesage, Voltaire, Montesquieu („Spiritul legilor”), Rousseau („Confesiunea”, „Despre fundamentele și cauzele inegalității între oameni”), Diderot, D'Alembert și alți scriitori și personalități publice care au fost propagandiști ale unei noi viziuni asupra lumii sunt pline de Spiritul Iluminării.

Voltaire (numele real François Marie Arouet, 1694-1778) este considerat a fi capul iluminatorilor francezi. Moștenirea sa literară este diversă ca gen: poeme epice, filozofice și eroico-comice, ode, satire, epigrame, poezii lirice: („Henriade”, „Fecioara din Orleans”, „Brutus”, „Moartea Cezarului” și altele) . Poveștile filozofice au o importanță deosebită, iar printre ele - 4 Candide, sau Optimismul.

În literatura educațională a Franței, unul dintre locurile principale îi aparține lui P. O. Beaumarchais (1732-1799), autorul comediilor Bărbierul din Sevilla, Căsătoria lui Figaro și Mama crimei. Se știe că Ludovic al XVI-lea, după ce a ascultat „Căsătoria lui Figaro”, a exclamat: „Trebuie să distrugi Bastilia pentru a permite asta pe scenă!”.

În arhitectura Franței secolului al XVIII-lea, s-a stabilit o nouă direcție - rococo colorat, elegant, rafinat (fr. rococo din rocaille - coajă). Se pierde tendința spre ansambluri grandioase. O casă de oraș, un conac mic, saloane aristocratice și budoare inundate de lumină devin fundalul vieții private.

Un exemplu tipic de rococo este interiorul Hotelului Soubise, arhitect Germain Boffrand (1667-1754). Sala ovală a hotelului se remarcă prin formele sale grațioase și prin eleganța neconstrânsă. Mobilier - mese consolă sculptate elegante, fotolii moi confortabile, canapele cu contururi bizare flexibile ale spatelui și picioarelor.

La mijlocul anilor 1750, atenția arhitecților a fost atrasă de austeritatea și calmul arhitecturii de ordine antică. Această direcție era condusă de Academie. Clasicismul devenea la modă la curte. J.-A. Gabriel (1699-1782) proiectează Piața Ludovic al XVI-lea (acum Place de la Concorde) din Paris, redefinește tema unui palat de țară (Micul Trianon). Clădirile publice sunt construite de J.-J. Souflo (1713-1780).

Tendințele rococo se răspândesc în pictură (plafonduri, panouri, tapiserii pe subiecte mitologice, teme galante, gen pastoral, portret idealizat). În același timp, se întărește o orientare realistă.

Antoine Watteau (1684-1721) a fost creatorul genului galant, pictura intimă, cântărețul mișcărilor și sentimentelor spirituale subtile. A aprobat rolul temei moderne în artă. Arta lui a căpătat adesea o tentă romantică. Watteau a apelat la imaginile oamenilor („Grinder”, „Țăran basc”, „Savoyar”), în același timp înfățișând doamne și domnișoare seculare, lumea teatrului („Dragoste pe scena italiană”, „Dragoste pe franceză”. Scenă"), sărbători nobili ("Fărbători galante", "Societatea în parc"). tablouri celebre Watteau: „Gilles”, „Capricious” și altele.

Reprezentantul stilului matur rococo a fost Francois Boucher (1703-1770), primul artist al lui Ludovic al XV-lea, favorit al aristocrației, autor de panouri decorative, decoruri, costume, picturi pe teme mitologice („Toaleta lui Venus”). , pastorale etc.

Direcția realistă a fost reprezentată de Jean Baptiste Chardin (1699-1779). L tema centrala- natura moartă, în care a dobândit semnificație și bogăție, reflectând lumea lucrurilor domestice, trăite, care au devenit parte din sfera intimă a sentimentelor și gândurilor. Acestea sunt „Atribute ale artei”, „Copper Tank și altele. Charley apelează și la genul („House of Cards”, „Prayer before Dinner”), la portret („Self-Portrait”), dezvăluind peste tot farmecul poetic. ale obișnuitului.

Jean Baptiste Greuze (1725-1805) a apelat la imaginea unei persoane sensibile, inspirată de ideile lui Rousseau – „Mireasa satului”, „Portretul unui tânăr” și altele.

Un maestru strălucit al desenului și un colorist subtil a fost Jean Opore Fragonard (1732-1806). Eleganța decorativă a execuției este combinată cu percepția sa poetică asupra lumii („Swing”, „Stealth Kiss”, „Portret lui Diderot” și altele).

Secolul al XVIII-lea în Franța a fost marcat de dezvoltarea sculpturii. Aceasta este decorarea interioarelor rococo, monumentalitatea și dorința de realism. Opera lui Etienne Maurice Falcone (1716-1791), invitat de Petru I la Sankt Petersburg și faimos pentru „ Călăreț de bronz„(1766-1782).

Ideile revoluționare ale secolului al XVIII-lea în Franța sunt asociate cu opera lui Jean Antoine Houdon (1741-1828), creatorul portretului civil (Rousseau, Mirabeau, Washington, capodopera este portretul lui Voltaire).

Secolul XVIII în Germania a fost întruchipat în gândire filozofică predominant idealist. Reprezentanții săi de seamă: Kant (1724-1804), Fichte (1762-1814), culmea filosofiei clasice germane Hegel (1770-1831).

Iluminismul german a dat lumii exemple minunate de proză artistică – „Suferința tânărului Werther”, „Wilhelm Meister” de Goethe; versuri filozofice - „To Joy” de Schiller, „Gaimede” de Goethe, dramaturgie – tragedia „Emilia Galotti” de Lessing, „Tharii”, „Înșelăciune și dragoste” de Schiller, poezie „Furtună și năvălire” și altele.

Dar tot ceea ce este mai bun, semnificativ care a fost în iluminismul german din secolul al XVIII-lea, a fost întruchipat în lucrare nemuritoare„Faust”, creat de Johann Wolfgang Goethe (1749-1832), o tragedie epică la care a lucrat peste 60 de ani. În centrul lucrării se află o dispută între omul de știință Faust, căutătorul adevărului, și Mefistofel, simbolizând spiritul de negare și distrugere. Faust crede că o persoană va fi întotdeauna caracterizată de nemulțumirea veșnică față de ceea ce a fost realizat. Mefistofele susține contrariul: o persoană va prefera mișcarea perpetuă bucuriilor de moment, plăcerilor de jos.

Drept urmare, Faust ajunge să înțeleagă că scopul vieții este în lupta pentru cele mai bune idealuri ale omenirii, pentru binele oamenilor. Acesta este adevărul pe care îl caută de atâta timp și este frumos.

Ani de viață

A plecat degeaba: clar pentru mine

Concluzia finală a înțelepciunii pământești:

Numai el este demn de viață și libertate,

Cine merge să lupte pentru ei în fiecare zi!

Cu acest gând, Faust moare, el este sigur de nemurirea activității umane în numele „pământului liber”, al „poporului liber”.

Răspunsul la întrebarea, care este sensul vieții (la urma urmei, se termină în moarte), autorul dă în cuvintele lui Horus Mysticus (un cor de adevăruri de neînțeles): scopul fericirii este în lupta pentru un scop ( „Scopul este nesfârșit aici – în atingere”). Omul trăiește pentru a crea, pentru a crea.

Aceasta a fost esența marii ere a Iluminismului, plină de credință în puterea și puterea Omului, în mintea lui, în voința lui.

CULTURA ARTISTICĂ A SECOLOR DE TIMP NOU Atât de multe știri de 20 de ani Și în sfera stelelor, Și în sfera planetelor, Universul se prăbușește în atomi, Toate legăturile sunt rupte, totul este zdrobit în bucăți. S-au zdruncinat temeliile și acum Totul a devenit relativ pentru noi. John Donne () - Sinteza artelor, adică interacțiunea activă a diferitelor sale tipuri - culmea artelor plastice - perioada de glorie a culturii muzicale - epoca de aur a teatrului

STIL - un set de mijloace artistice și metode de utilizare a acestora, caracteristice operelor de artă ale oricărui artist, major direcție artistică sau o epocă întreagă. Arta secolului al XVII-lea este indisolubil legată de formarea și dezvoltarea diferitelor stiluri.

Arta unei anumite epoci este mai largă decât gama de fenomene numite stil. Dacă secolul al XVII-lea este asociat cu stilul baroc, asta nu înseamnă că acest stil a fost singurul. Odată cu baroc, în secolul al XVII-lea s-au dezvoltat diferite stiluri: manierism, rococo, clasicism, realism.

MANERISM (it. Manierismo - pretențios), așa cum artiștii italieni au numit „noua manieră frumoasă”, făcând distincție între metodele vechi și noi de creativitate. Este mai mult o modă decât un stil mare. Stilul a apărut la mijlocul secolului al XVI-lea - Tehnica virtuozală rafinată - pretenție a imaginilor, tensiune - Intrigi supranaturale - Distrugerea armoniei și echilibrului renascentist

Barocul este un stil de artă și arhitectură europeană din secolele XVII-XVIII, format în Italia. În momente diferite, în termenul „baroc” a fost introdus conținut diferit. La început, a avut o conotație ofensivă, implicând absurditate, absurditate (poate că se întoarce la cuvântul portughez pentru o perlă urâtă). STIL BAROC

Caracteristici specifice stilului baroc. Întărirea temelor religioase, în special a celor legate de martiriu, miracole, viziuni; 2. Emoționalitate crescută; 3. Importanța mare a efectelor, elementelor iraționale; 4. Contrast strălucitor, emoționalitatea imaginilor; 5. Dinamism (lumea barocului - o lume în care nu există pace Bunin); 6. Căutarea unității în contradicțiile vieții; 7. În arhitectură: un oval în linia clădirii; ansambluri arhitecturale; 8. Sculptura face obiectul unui design decorativ general

În Franța, stilul rococo s-a manifestat mai clar decât alții - de la fr. "rocaille" - un stil de coajă de forme rafinate și complexe, linii bizare, intrigi, aventuri și sărbători, al cărui scop principal este de a distra și de a distra .. Uneori este considerat un fel de baroc care a abandonat monumentalitatea. Rococo este un stil de cultură exclusiv seculară. Stilul a apărut în rândul aristocrației franceze. Cuvintele lui Ludovic al XV-lea „După noi, chiar și un potop” pot fi considerate un manifest de stil și o caracteristică a stării de spirit a cercurilor curții. În loc de etichetă - o atmosferă frivolă, o sete de plăcere și distracție. Tradițiile aristocraților au modelat stilul cu formele sale bizare, volubile și capricioase. ROCOCO

Stilul rococo s-a dezvoltat în prima jumătate a secolului al XVIII-lea. Pomp în acei ani nu mai atrăgea arhitecții. Arta, în conformitate cu gusturile nobilimii, a căpătat grație și veselie ușoară. Un mic conac, scufundat în verdeața grădinii, rafinat și luxos în interior este imaginea principală a arhitecturii rococo. Luxul combinat cu cele mai fine, aproape bijuterii, caracterizează decorarea camerelor. Motivele de flori exotice, măști bizare de mascarada, scoici de mare, fragmente de pietre sunt toate intercalate cu modele complicate care acoperă pereții.

Clasicismul este o tendință stilistică în arta europeană, a cărei caracteristică cea mai importantă a fost apelul la arta antică ca standard și încrederea în tradițiile idealului armonios al Înaltei Renașteri. Teoreticianul clasicismului timpuriu a fost poetul Nicolas Boileau-Depreau () - „dragostea gândită în vers”, adică emoțiile se supun rațiunii.

REALISMUL Dezvoltat la începutul secolului. Trăsăturile caracteristice ale realismului sunt obiectivitatea în transmiterea vizibilului, acuratețea, concretețea, lipsa de idealizare, atenția la natură, sinceritatea sentimentelor.

Secolul al XVII-lea este un punct de cotitură în istoria Rusiei și a culturii sale. În acest secol, a avut loc o fuziune a aproape tuturor pământurilor antice rusești. Cel mai important fapt din viața politică a statului a fost reunificarea popoarelor rus și ucrainean. Până la sfârșitul secolului, Rusia merge la Marea Neagră și începe un război cu suedezii pentru acces la Marea Baltică. Terenurile din estul țării sunt dezvoltate din ce în ce mai hotărât.

Acesta este timpul celor mai ascuțiți conflicte sociale care arăta puterea poporului, dorința lor de a respinge opresiunea insuportabilă a claselor conducătoare. În secolul al XVII-lea, legăturile politice și culturale ale Rusiei cu țările îndepărtate vecine s-au extins și s-au adâncit. Aceste conexiuni îi fac pe oameni să le acorde din ce în ce mai multă atenție viata culturala Europa de Vest, care are un impact semnificativ asupra artei Rusiei. Cel mai important lucru a fost că ideologia religioasă dominantă a crăpat. Protestul împotriva autorităților laice și ecleziastice a dat naștere la diferite mișcări ideologice, în care s-a manifestat dorința de a scăpa de tutela opresivă a religiei și de a justifica prioritatea rațiunii, a bunului simț față de dogmele ei. Acest proces poate fi urmărit în arta religioasă, care își pierde treptat caracterul dogmatic inexorabil și este uneori plină de conținut deschis laic. Dezintegrarea sistemului artistic medieval, depășirea hotărâtoare a principiilor sale, deschide calea artei noului timp în secolul al XVIII-lea. Cel mai important fapt viata artistica Rusia secolului al XVII-lea a fost centralizarea conducerii artei. Modificările în acesta au fost reglementate de autorități. Pentru toate ținuturile, Moscova a devenit o autoritate indiscutabilă în domeniul artei. În același timp, acest lucru, desigur, nu exclude dezvoltarea școlilor de artă locale sau activitățile artiștilor de provincie care încă respectau cu evlavie normele artei vechi.

Deja la începutul secolelor XVI-XVII, odată cu tendința picturii icoanelor, care s-a orientat către stilul monumental de pictură al secolului XV-începutul secolului al XVI-lea și a primit denumirea de literele lui „Godunov”, s-a format o altă direcție. Este reprezentat de icoane în stilul „Stroganov”, ai căror autori și-au propus ca scop realizarea de lucrări (de regulă, de dimensiuni reduse) destinate capelelor de acasă. Icoanele lui Procopius Chirin, Istoma Savin, Nikifor Savin, Emelyan Moskvitin se disting prin minuțiozitatea finisajului, utilizarea aurului și argintului.

Până la mijlocul secolului al XVII-lea, tehnica de scris în miniatură a maeștrilor Stroganov a trecut și la lucrări mari. Așa sunt icoanele „Ioan în pustie” (20-30) sau „Anunțul cu Acatistul” (1659, de Yakov Kazanets, Tavrilo Kondratiev, Simon Ushakov).

La mijlocul și a doua jumătate a secolului al XVII-lea au lucrat pictorii de icoane, pregătind pictura rusă pentru trecerea la poziția de artă realistă. În primul rând, Simon Ushakov le aparține. Adevărat, în practica creativă el este mai puțin consecvent decât în ​​raționamentul teoretic. Una dintre compozițiile preferate ale artistului este „Mântuitorul nu este făcut de mâini”. În aceste icoane, Ushakov s-a străduit pentru o formă tridimensională, atent modelată, pentru crearea unui mediu spațial real. În același timp, nu a reușit să depășească convențiile vechii picturi de icoane. Și totuși, dorința de credibilitate reală, care a fost demonstrată în munca lor de Simon Ushakov și tovarășii săi - Bogdan Saltanov, Yakov Kazanets, Kirill Ulanov, Nikita Pavlovets, Ivan Bezmin și alți maeștri, a dat roade în viitor. Noile tendințe în pictura rusă din secolul al XVII-lea s-au manifestat cu o claritate deosebită în „parsun” (din cuvântul „persoană”), care a fost primul pas către dezvoltarea unui portret realist. Adevărat, atât în ​​pictura icoană, cât și în picturile murale ale acestei epoci ne întâlnim cu imaginea oameni adevărați. Totuși, aici aceste imagini sunt supuse canoanelor picturii icoanelor. Un alt lucru în parsun. Sarcina principală stabilită de creatorul său este, probabil, un transfer mai precis al trăsăturilor caracteristice ale unei anumite persoane. Și în aceasta, artiștii ating uneori o mare expresivitate, demonstrând o extraordinară claritate a viziunii artistice. Cele mai bune parsuni includ imagini ale țarului Fiodor Ioannovici, prințului Skopin-Shuisky, Ivan al IV-lea și alții.În a doua jumătate a secolului al XVII-lea, mulți pictori străini au lucrat la Moscova, inclusiv artistul olandez D. Wuchters. El este cel care i se atribuie portretul de grup „Patriarhul Nikon ținând o prelegere către cler”. Fără îndoială, lucrările maeștrilor străini au avut un impact asupra pictorilor ruși, ajutându-i să intre pe calea artei realiste. Nu întâmplător apar lucrările portretistice în a doua jumătate, anticipând cel mai direct arta portretului din secolul al XVIII-lea.

Multe cicluri de fresce au supraviețuit din secolul al XVII-lea până în vremea noastră. Autorii lor sunt artiști din Moscova, Kostroma, Yaroslavl, Vologda, Nijni Novgorod și maeștri ai altor arteli. centre de artă. Opera lor se îmbină uneori cu pictura cu icoane, dar, în același timp, însăși forma de pictură murală le cerea tehnici și metode speciale de reprezentare. Este de remarcat că în picturile murale, în primul rând, se fac simțite noile tendințe: amuzamentul poveștii, numeroase detalii cotidiene.

Natura picturii monumentale a secolului al XVII-lea a fost determinată de activitățile artiștilor care au lucrat la Moscova. Cele mai interesante monumente de aici sunt picturile murale ale Catedralei Arhanghelului (1652-1666).

Cea mai importantă impresie pe care o lasă picturile din secolul al XVII-lea este impresia de dinamică, de energie internă. Adevărat, în picturile de la Rostov, stăpânirea unei linii netede, flexibile, delimitând liber silueta figurilor, s-a păstrat încă. În Biserica Mântuitorului de pe Senya sunt reprezentați diaconi în veșminte de sărbătoare. Posturile lor sunt calme, mișcările lor măsurate și solemne. Dar și aici, artistul aduce un omagiu timpului: hainele din brocart sunt decorate cu ornamente florale și geometrice complicate. Picturile murale ale Bisericii Mântuitorului de pe Senya și ale Bisericii Învierii (1670) sunt o artă festivă și solemnă. Spre deosebire de picturile murale numite din Rostov, picturile murale ale bisericilor din Iaroslavl ale profetului Ilie (1694-1695, un artel de artiști conduși de D. Plehanov) sunt pline de mișcare activă. Artiștii nu acordă atenție armoniei siluetelor, rafinamentului liniilor. Sunt complet absorbiți de acțiunea care se desfășoară în numeroase scene. „Eroii” frescelor gesticulează violent, iar această gesticulare este unul dintre principalele mijloace de caracterizare a acestora. Un rol extrem de important în crearea impresiei de festivitate îl joacă culoarea picturilor murale din Iaroslavl. Culorile sunt luminoase și vibrante. Acest lucru privează chiar și scenele eshatologice de un sentiment de tensiune dramatică, deși artiștii încearcă în compoziții precum Judecata de Apoi a Bisericii Premergătoare să sugereze audienței gândul la inevitabilul răzbunare „în lumea următoare” pentru păcatele din această lume. lume. Georgieva T. S. Cultura rusă: istorie și modernitate: manual. indemnizatie. - M.: Yurayt, 1998. - S. 25.

Astfel, cultura artistică rusă a secolului al XVII-lea s-a bazat pe Moscova, școlile de artă locale și a fost influențată de școlile de artă străine. În același timp, a căpătat tot mai mult un caracter laic.

Studii culturale și istoria artei

Trăsături caracteristice comune - 1) alocarea lumii artei într-o sferă relativ autonomă; 2) conștientizarea teoretică a unității sale calitative. Acest proces a început în timpul Renașterii. Chiar și atunci, activitatea artistică și creativă a început să se separe treptat de masa meșteșugurilor breslelor.

Cultura artistică secolele 17-18.

Aspectul organizațional (instituțional) al culturii:

Caracteristici comune 1)evidențierea lumii artei într-o sferă relativ autonomă; 2) conștientizarea teoretică a unității sale calitative. Acest proces a început în timpul Renașterii. Chiar și atunci, activitatea artistică și creativă a început să se separe treptat de masa meșteșugurilor breslelor. Artele au început să fie clasificate ca o sferăobiective intelectuale. În secolul al XVII-lea C. Perro a propus înlocuirea conceptului de „arte libere" asupra conceptului "Arte Frumoase".A fost o problemă pe parcurs. gust . secolul al XVIII-lea etapa următoare.Principiul mimesis a fost definit ca un principiu unic al artelor plastice.Aceasta a definit și organizat structural sferaspatiu cultural. Principalele sale caracteristici: imaginația, capacitatea de a oferi plăcere, implicarea în frumos.

Izolarea sferei artelor plastice a dus laformarea unui nou tip de relaţie între artist şi lume.Din Renaștere a fost moștenit patronaj (Mecenas este numele unui bogat roman din secolul I î.Hr., iubitor și patron al științelor și artelor). Patronii apreciază individualitatea creativă, iar artistul, de regulă, nu se bazează pe mai mult. Funcțiile de înaltă instanță au fost o excepție (de exemplu, Velázquez a fost mareșal de curte). La curtea franceză, artiștii au fost numiți în funcția de valet ( Valet de cameră ). Artist al secolului al XVII-lea A.Sacchi făcea parte din servitorii domestici ai cardinalului Antonio Barberini. Împreună cu artistul în această poziție erau un grădinar, un pitic și bătrână dădacă. Apoi a fost transferat la un rang superior de servitori, căruia îi aparțineau cărturari, poeți și secretari. Dar în secolul al XVII-lea se conturase deja un alt tip de atitudine față de artiști (Olanda), pentru careruperea legăturii personale dintre artist și client. Artistul începe să lucreze pentru piață, adică pentru un potențial cumpărător anonim. Artistul a devenit mai liber, dar s-a dovedit a fi singur și neajutorat.

În acest sens, a început să prindă contur șinoi forme de contact între individualitatea creativă și „consumatorii de artă”: concerte, expozitii. S-a format un nou tip de „consumator” -public, spectator ca ceva colectiv, colectiv. Primul Expoziții de artă la Roma, Parisul aparține sfârșitului secolului al XVII-lea.

apărea două tipuri de autor 1) compoziția primară în sine; 2) performanta secundara. Și de aici un nou corp de „intermediari”- editor, vânzător, antreprenor. Indivizibilitatea autorului primar și secundar în dramaturgie durează mai mult decât oricine altcineva: Shakespeare și Molière erau actori.

Profesionalizarea artei a dus ladrepturi de autor aplicabile din punct de vedere legal.

Confruntarea și interacțiunea diverselor sisteme de artă: clasicism, manierism, baroc, realism iluminist, sentimentalism.

Drama dominantă estetică.

O nouă imagine a omului.Idealul omului universal s-a pierdut. Se mută pe primul locdrama interioară a vieții personale. În clasicism drama ciocnirii pasiunii și datoriei. În sentimentalism drama puterii asupra unei persoane este irațională (pasiune, slăbiciune, credință). În manierism și baroc drama opoziției față de raționalismul clasicismului.

Polimorfism și polistilism.

Aspect morfologic (tipuri de artă caracteristice perioadei):

În clasicism pe planul I teatru de teatru. Afectează toate tipurile și genurile.

LA arta muzicala Acest lucru s-a exprimat, în primul rând, în dezvoltareteatru muzical(Monteverdi, Scarlatti, Pergolesi, Lully, Rameau, Purcell, Händel, Mozart, Gluck). Doar în Veneția 7 teatre. Atât opera, cât și baletul se dezvoltă. Opera include episoade de dans. În Franța, Moliere și Lully au luat parte la crearea spectacolelor de balet. Aceasta este o influență directă a teatrului. Influenta indirectadrama muzicii în sine. „Structura scenică trăiește în limbajul muzical al vremii” ( Starobinsky , 1964). Misterul este înlocuit de opera. Simfonia se dezvoltă dintr-o uvertură teatrală. Trăsăturile caracteristice ale muzicii lui Beethoven sunt „simfonismul dramatic”, „principiul dialogic”, „ciocnirea ideilor și voințelor opuse” (I.I. Sollertinsky).

În arhitectură și arte plasticeInfluența teatrului este foarte multifațetă. Arhitectura Renașterii este axată pe efectul pitoresc, arhitectura New Age pe cea teatrală. Arhitectura are mult decor, motive ludice și hedoniste. De aici și utilizarea pe scară largă a ornamentului. Este simptomatic că în ornament I. Kant a văzut întruchiparea frumuseții pure a artei, pe care a comparat-o cu frumusețea florilor din natură. Un tablou pitoresc este conceput ca un mezanin. Chiar și într-un peisaj, spațiul este construit ca și cum ar fi un cub închis al scenei (construcția în formă de aripă). Pentru prima dată acest lucru se observă în pictura olandezilor. Genul imaginii în serie se răspândește ca o secvență de scene legate de intriga (Hogarth).

În arta orientată realistpe locul 1 nu teatru, dar literatură, mai precis cursă epicăși genuri epice.Avantajele literaturii 1) capacitatea de a întruchipa astfel de scări de spațiu și timp care nu erau disponibile scenei și artelor plastice; 2) capacitatea de a include autorul-subiect în structura artistică. În această conexiune opere dramatice(comedii) încep să scrie proză (Beaumarchais, Goldoni, Diderot, Lessing). În pictură, narațiunea a condus la faptul că picturile au fost construite după principiul condiționării sociale a caracterului de către mediu. De aici și împărțirea genurilor clasice în varietăți de gen.

Caracteristică dezvoltarea culturii artistice a secolelor XVII-XVIIIconștientizarea de sine culturală.Sistemele de artă ale barocului și clasicismului și-au dezvoltat propriile teorii estetice.

Principiile de bază ale barocului:

• instrumentul principal al creativității minte ascuțită, rapidă, intuiție creativă;
• poetică metaforică (natura este o metaforă gigantică, iar arta își rezolvă secretele).

Principiile de bază ale clasicismului:

• imita, pe baza regulilor; normativitatea;
• scopul artei este de a educa o persoană care este caracterizată nu de virtute abstractă, ci de un cetățean;
• dominaţia genericului asupra individului, idealul asupra realului.

Principii de bază ale dezvoltării realismului:

• imitație directă și imparțială (obiectivitate);
• moralizant;
• frumusețea este o formă de adevăr și bunătate.

Pagina 2

La fel și alte lucrări care vă pot interesa
35974.		Platforme tinere	47KB
	au o bază pliată de vârstă paleozoică și parțial precambrian târziu. La unele dintre ele, plierea principală a avut loc la mijlocul Paleozoicului, această pliere poartă denumirea de CALEDONIAN după denumirea antică a părții Scoției, Caledonia, unde s-a manifestat foarte clar înainte de Devonian, iar structurile și curelele pliate. create de ea se numesc CALEDONIDE. Alături de acestea, există zone pliate și mai tinere, a căror dezvoltare geosinclinală a continuat nu numai în Paleozoic, ci și în cea mai mare parte a Mezozoicului și s-a încheiat doar ...
35976.		Clasificarea economică a resurselor naturale	46KB
	Clasificarea resurselor naturale după origine. Cu un control strict asupra respectării acestor norme, epuizarea resurselor forestiere nu are loc. Fiecare peisaj sau complex natural-teritorial are un anumit set de diverse tipuri de resurse naturale.

pe tema Studiilor Culturale

Tema: Cultura și arta secolelor XVII-XIX

1. Cultura si arta XVII-XVIII secole

1.1 Epoca absolutismului

1.2 Estetica clasicismului

1.3 Arta baroc

1.4 Rembrandt și El Greco

2. Cultura și arta secolului XIX

2.1 Filosofia lui Kant

2.2 Teoria lui Schiller

2.3 Idei estetice în opera romanticilor germani

2.4 Opera lui Goethe

2.5 Filosofia hegeliană

2.6 Impresionism

2.7 Postimpresionism

3. Lista surselor utilizate

1. Cultură și artăXVII- XVIIIsecole

Odată cu apariția unei noi ere, moștenirea Renașterii nu s-a scufundat în eternitate și, suferind schimbări, a continuat să-și trăiască propria viață. Arta Evului Mediu cu capodoperele sale de arhitectură și pictură nu a dispărut de pe fața pământului, în ciuda războaielor religioase și a distrugerilor, a campaniilor cruciaților și a focurilor inchizitoriale, oprind încă privirea pe verticalele gotice. Antichitatea și-a amintit de sine cu comploturi mitologice și o eternă dorință de a reînvia armonia pierdută. Cultura mondială a continuat să-și acumuleze potențialul, îmbogățit de noi căutări și descoperiri și a încercat să construiască o nouă imagine a lumii, bazată nu atât pe religios și înţelegere artistică a lumii și a omului, ca și în epocile anterioare, cât și asupra înțelegerii științifice din ce în ce mai dezvoltate a acesteia.

1.1 Epoca absolutismului

În secolul al XVII-lea cultura artistică a Italiei își pierde semnificativ măreția de odinioară, iar centrul culturii spirituale europene se mută în Franța. Spirit de pionier arta franceza format nu fără influenţa noilor condiţii politice şi economice. Franța a fost un exemplu de țară clasică a absolutismului, care a devenit un principiu unificator în societate. În orașele medievale, autoguvernarea locală a fost înlocuită de dominația burgheziei și puterea centralizată. O nouă societate civilă și-a luat naștere.

Alături de rolul progresist al absolutismului, acesta a avut și laturi negative, care au afectat, în primul rând, întărirea stratificării sociale a societății și deteriorarea vieții țăranilor care se aflau la baza scării sociale. Acest lucru a dus la numeroase revolte țărănești, care au fost înăbușite cu brutalitate de autoritățile regale. Baza socială a erei absolutismului s-a restrâns semnificativ în comparație cu cultura anterioară a Renașterii. În primul rând, reflecta interesele celor două clase ale nobilimii și ale burgheziei.

Absolutismul consacrat (în Spania, Franța și alte țări europene) stabilit principiul reglementării și reglementării universale toate aspectele vieții - de la economie și politică până la cultură și artă. Aceasta a dus la suprimarea oricărei inițiative și libertăți personale. Baza comportamentului uman devine datoria, care a fost personificată de stat și căreia un membru individual al societății trebuia să se supună. Respectarea strictă a tuturor cerințelor puterii de stat și ascultarea necondiționată față de aceasta a fost proclamată drept cea mai înaltă virtute. Comportamentul individului era limitat de anumite norme și reguli de conduită. În comparație cu cultura anterioară a Renașterii, o persoană a fost lipsită nu numai de libertatea de comportament, ci și de libertatea de viziune. Absolutismul a reușit să subjugă haos de voinţe egoiste indivizi individuali care se străduiesc în era capitalismului să-și realizeze interesele.

1.2 Estetica clasicismului

Natura muncii s-a schimbat semnificativ: manufactura s-a dezvoltat cu succes, ceea ce a dus la diviziunea muncii, ceea ce a dus la succese destul de mari în producția materială. Industria a fost interesată de dezvoltarea științelor exacte ale fizicii, matematicii, chimiei, astronomiei etc. În filozofie, a câștigat raţionalism, ale căror principii de bază au fost conturate în lucrarea sa „Discursuri asupra metodei” (1637) de R. Descartes, unde a formulat patru reguli „pentru îndrumarea minții”, care s-au rezumat la următoarele:

1) nu accepta ca adevarat ceea ce te indoiesti;

2) împărțiți orice dificultate în mai multe mici;

3) cunoașterea ar trebui să înceapă de la simplu la complex;

4) pentru a evita omisiunile, este necesar să vă expuneți în mod consecvent raționamentul despre subiect.

Aceste principii au servit drept bază filozofică a esteticii. clasicism, a primit cea mai completă reflecție în literatura, teatrul și arhitectura secolului al XVII-lea. Teoreticianul clasicismului a fost N. Boileau, care și-a expus punctele de vedere în Arta poetică (1674). Adresându-se poeților, el a scris:

„Așa că sensul să-ți fie cel mai drag,

Să dea numai el strălucire și frumusețe poeziei!

Frumosul, conform clasicismului, nu putea fi în afara adevărului, iar din moment ce poveștile creștine sunt de natură irațională, nu își au locul în artă. Conținutul și forma de exprimare trebuie să fie clare și precise. Armonia părților și a întregului a fost proclamată la baza frumosului, această cerință s-a reflectat cel mai pe deplin în arta dramatică a lui Corneille, Racine și Moliere, precum și în arhitectură.

P. Boileau a acordat multă atenţie responsabilitatea morală a artistului, datoria și priceperea sa profesională, pe care trebuie să le stăpânească cu brio. Una dintre principalele cerințe pe care teoreticianul clasicismului le-a înaintat artistului a fost cerința în orice urmeaza antichitatea, pe baza mitologiei sale. Cu toate acestea, autorii francezi au stăpânit antichitatea în felul lor: s-au concentrat în primul rând pe arta romană cu caracterele sale dure și curajoase care le-au atras atenția și erau în concordanță cu cerințele societății franceze. Nu întâmplător bunătăți Corneille i-a avut pe Augustus și Horace, care au personificat datoria și patriotismul și au pus interesele statului mai presus de ale lor.

O astfel de cerință a avut și latura ei pozitivă, a contribuit la socializarea individului, limitând voința egoistă a individului. Această situație în societate a fost prevăzută de Shakespeare, care a avertizat că altfel ar putea domni „războiul tuturor împotriva tuturor”. Așadar, arta, urmând cerințele clasiciștilor, nu numai că nu a îngrădit libertatea cetățenilor, ci i-a și disciplinat, împlinindu-și înaltul destin și educând oamenii în conformitate cu cerințele statului.

Specificul mijloacelor vizuale și expresive în artă a fost determinat de principiile de bază (care au servit drept canon) prezentate de estetica clasicismului: limbaj artistic ar trebui să se străduiască să fie precis, clar și rațional; compoziția trebuie construită în conformitate cu reguli strict stabilite etc. O astfel de regulă clară pentru arta dramatică era cerința trei unități loc, timp și acțiune, pe care dramaturgii le respectau cu strictețe atunci când își creau operele. În pictură, s-a dat preferință desenului, în comparație cu compoziția, culoarea și vopsea. Sarcina principală a artistului a fost să influențeze publicul cu puterea rațiunii și a logicii clare. Potrivit artistului clasicist N. Poussin, pictura nu este altceva decât (o imagine a conceptelor spirituale întruchipate în imagini materializate create într-un anumit stil de clasicism. De aici și idealizarea subiectelor picturii sale, înfrumusețarea lor sesizabilă și o oarecare abstractizare.

Clasicii au idealizat frumosul; au văzut sursa lui nu în natură, ci într-un fel de principiu spiritual, al cărui conducător era mintea. Ei pun frumusețea spirituală deasupra frumuseții lumii naturale și operele de artă - deasupra creațiilor naturii. Frumosul din natură trebuie eliberat de grosolănia originară, curățat de straturi și încadrat în conformitate cu cerințele minții. Dar din moment ce mintea este asociată cu gândirea abstractă - concepte care reflectă generalul, atunci arta ar trebui să vizeze și reflectarea celor mai generale și tipice.

Personajele personajelor din dramă, conform cerințelor esteticii clasicismului, nu trebuie să se dezvolte și să fie contradictorii. Urmând această regulă, majoritatea eroilor lui Moliere sunt statici și schematici, având un anumit set de trăsături de caracter. Nimic nou nu apare în ele - de-a lungul întregii drame rămân aceleași: zgârcit - zgârcit și prost - prost. Astfel, ideea principală a esteticii clasicismului s-a redus la cerința de a subordona arta unei reglementări stricte prin rațiune, așa cum un individ trebuie să se supună societății.

1.3 Arta baroc

Cu toate acestea, în art XVIIîn. s-au păstrat trăsăturile și tendințele pe care le-a moștenit din epocile trecute. În multe privințe, acestea erau direct opuse celor discutate mai sus. Artă stil baroc, cel mai răspândit la Roma, reflecta în felul său ideile Renașterea târzie despre instabilitatea și fragilitatea ființei, caracterul momentan al fericirii umane, inutilitatea eforturilor și căutarea unui ideal în viața pământească. Starea de spirit pesimistă, având în vedere speranțele neîmplinite pe care le aveau umaniștii Renașterii, s-a exprimat în originalitatea stilului de artă baroc și rococo. Arta barocă s-a caracterizat prin următoarele trăsături - acestea sunt linii sinuoase și nervoase în pictură, pretenții și îngrămădirea multor detalii individuale în arhitectură, precum și o anumită temă a operelor literare care căutau să înfățișeze martiri pentru credința creștină, scene. de sinucidere. Din arta clasicismului, care se remarcă prin rigoare, răceală și în tot ce este în concordanță cu logica rațiunii, barocul s-a remarcat prin dinamism și inconsecvență, emoționalitate și senzualitate a imaginilor. Din primul a respirat armonie strictă, din al doilea - căldură și cordialitate, fizic și sete de viață. Aceste trăsături sunt reflectate în pictura lui P. Rubens. Folosind subiecte străvechi, a creat lucrări din care emana energia și bucuria vieții senzuale.

1.4 Rembrandt și El Greco

În ciuda influenței principii artistice baroc și clasicism, au existat artiști a căror operă nu poate fi atribuită unei anumite direcții sau stil. Geniile s-au dovedit în orice moment a fi deasupra oricăror norme și reguli care au fost dictate din exterior. Au rămas liberi în munca lor, adesea cu mult înaintea timpului lor. secolul al 17-lea era bogat în talente, dar Rembrandt și El Greco ocupă pe bună dreptate un loc demn printre ei.